Abstracción y los principios del cubismo

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Caballeros del Triángulo Isósceles

Cuando los estadounidenses vieron por primera vez el arte expresionista y cubista de vanguardia que surgió de Europa en la primera década del siglo XX, fue recibido en Nueva York con mucha burla y desconcierto. Entre ellos estaba Teddy Roosevelt, quien en broma los llamó ‘Los Caballeros del Triángulo Isósceles’, burlándose de la pretensión y el absurdo de los cubistas. Debido a que el arte abstracto no busca representar formas y figuras reconocibles del mundo cotidiano, puede afectar negativamente a las personas; pero la clave para comprender y apreciar el expresionismo abstracto y el cubismo radica en comprender primero la filosofía subyacente de su forma.

¿Cuál es el propósito de pintar una forma en lugar de un paisaje o un retrato? ¿Cómo esperan los artistas transmitir significado a través de formas y colores abstractos? En esta lección, veremos las respuestas a estas y otras preguntas mientras investigamos los principios del cubismo en el arte de principios del siglo XX.

¿Qué es la abstracción?

Al fusionarse a principios del siglo XX, el estilo de abstracción en el arte utiliza la geometría, la forma y el color para transmitir significado y expresión en oposición a las representaciones reconocibles de objetos familiares. En respuesta a los estilos anteriores del Realismo y el Impresionismo, el arte abstracto llamó la atención sobre la pintura como un lienzo bidimensional. Puede verse como un estilo de arte visual y como una contemplación meta o autorreferencial sobre la naturaleza del arte.

Los artistas abstractos también fueron reconocidos por sus tratados y escritos filosóficos, haciendo declaraciones apasionadas a favor del arte en aras de la expresión de una forma subjetiva de ver en oposición al “espectáculo” o “respuesta emocional empática”. Por ejemplo, uno de los primeros defensores del expresionismo abstracto, el historiador de arte y filósofo alemán Wilhelm Worringer, presentó su tesis doctoral en 1912 con mucho entusiasmo de la vanguardia, relacionando nuevas formas de arte abstracto con el arte griego antiguo, invocando su simplicidad y lo primitivo.

La explicación de Worringer del arte abstracto fue adoptada como base filosófica para los cubistas. Su libro explica la apreciación y atracción de la forma simplista por su valor espiritual y expresivo, y eso se contrasta con la empatía y la respuesta emocional creada a través del arte representativo, como el realismo.

Orígenes y épocas del cubismo

El estilo del cubismo deriva del pintor español Pablo Picasso y su artista francés asociado George Braque , quienes se inspiraron en las pinturas de Paul Cezanne en París en la primera década del siglo XX. Picasso y Braque buscaron traspasar los límites del estilo entonces popular del postimpresionismo , caracterizado por el uso emocional de los colores, la simplicidad y una tendencia hacia la abstracción.

A medida que el cubismo evolucionó a partir del posimpresionismo, las composiciones se volvieron cada vez más abstractas. Por ejemplo, en algunas pinturas cubistas tempranas, las figuras y los objetos se pueden distinguir, pero las abstracciones se volvieron más severas a medida que el estilo progresaba hasta completar la abstracción de la forma, la forma y el color.

La última serie de pinturas de Mondrian, llamada ‘The Tree Series’, muestra cómo una forma reconocible puede degenerar en la simplicidad y la forma abstracta de solo líneas y formas: forma pura. En lugar de los paisajes más celebrados por los impresionistas, los cubistas favorecieron la forma del cuerpo humano y los objetos cotidianos, como escaleras, instrumentos musicales y periódicos.

Las obras cubistas posteriores, en la adolescencia, se lixiviaron de color, consistiendo en una paleta abiertamente marrón. Alejándose de la representación y acercándose a la simplicidad con el objetivo de que el espectador reconozca la bidimensionalidad del lienzo, el cubismo descendió al collage . Picasso y Braque cortarían y pegarían periódicos, desmontarían y volverían a montar instrumentos musicales, combinando objetos encontrados dispares en una nueva composición creativa.

Influencias

El cubismo tuvo un fuerte impacto en el mundo del arte en las primeras décadas del siglo XX. A medida que el cubismo decayó después de la Primera Guerra Mundial, surgieron otros estilos en respuesta. El futurismo fue un estilo asociado con el optimismo y el patriotismo de la cultura italiana después de la Primera Guerra Mundial. Los artistas futuristas adoptaron el estilo abstracto asociado con el cubismo y lo infundieron con las preocupaciones de la velocidad y la tecnología, dando como resultado una estética que ejemplificó la Era de las Máquinas. Las composiciones se sienten fracturadas, como si estuvieras viendo una imagen que evoluciona con el tiempo, pero también fija.

Los arquitectos se aferraron al cubismo como una forma de abrazar una estética modernista, adoptando la forma abstracta y las formas reensambladas en un espacio tridimensional. Resultó en un estilo puramente original, en última instancia moderno, que se encuentra en De Stijl , un movimiento de arte moderno que se desarrolló en los Países Bajos. Si bien los artistas de De Stijl trabajaron en múltiples medios, el legado más perdurable permanece a través de sus estructuras arquitectónicas, particularmente las de Le Corbusier. A medida que los árboles de Mondrian adquirieron formas cada vez más abstractas, estos artistas adoptaron los elementos esenciales del diseño en colores primarios y ángulos horizontales.

Resumen de la lección

Pablo Picasso y George Braque fueron pioneros en el estilo del cubismo en la primera década del siglo XX. El posimpresionismo de Paul Cézanne valoró los colores emocionales y la simplicidad, y señaló una tendencia hacia la abstracción. Picasso y Braque tomaron el liderazgo de Cézanne y empujaron estas tendencias hacia un arte puramente abstracto.

La abstracción en el arte se refiere al uso de la geometría, la forma y el color para transmitir significado en oposición a las representaciones reconocibles de objetos familiares. El cubismo enfatizó la forma geométrica, las líneas y la composición simplificada. Siguiendo la filosofía de Wilhelm Worringer , los artistas cubistas adoptaron la simplicidad y los valores espirituales ejemplificados en el arte griego temprano como una alternativa al arte representativo occidental que evocaba sentimientos de empatía.

A medida que el cubismo decayó después de la Primera Guerra Mundial, influyó en los estilos florecientes del futurismo , un estilo asociado con la cultura italiana que enfatizaba la velocidad, la tecnología y la estética de las máquinas. El cubismo también tuvo un efecto duradero en la arquitectura moderna. Esto se puede ver en particular en lo esencial de la forma y el color, con el énfasis en las líneas horizontales que se encuentran en el movimiento holandés de De Stijl , ejemplificado por Mondrian y Le Corbusier.

Los resultados del aprendizaje

Utilice esta lección para trabajar hacia los siguientes objetivos:

  • Definir el estilo artístico conocido como cubismo.
  • Recordemos la importancia de Picasso y Braque en el movimiento
  • Describe las influencias de los artistas cubistas.
  • Identificar los nuevos movimientos que llenaron el vacío mientras el cubismo decaía