Arnold Schoenberg: biografía, música y pinturas

El antihéroe musical

Podrías pensar en Schoenberg como el Batman de la música clásica. Al igual que el cruzado enmascarado se preocupaba por salvar a la gente de Gotham, Schoenberg se preocupaba profundamente por sus oyentes, queriendo desafiarlos y despertarlos con su arte. Schoenberg tomó decisiones al estilo de Batman para ir contra la corriente, eliminando todas las viejas reglas musicales e incluso inventando su propio sistema de composición. Y, como Batman, Schoenberg fue resentido, incluso despreciado, por la mayoría del público por estas acciones. Aun así, sigue siendo un gigante de la música clásica, enormemente influyente y respetado. Este artículo analizará la vida y obra del mayor antihéroe de la música clásica.

Primeros años y música

Arnold Schoenberg nació en Viena el 13 de septiembre de 1874 en el seno de una familia judía ortodoxa. Sus padres no eran músicos, pero apoyaron los primeros esfuerzos de Arnold, comenzando con las lecciones de violín cuando tenía ocho años. Pronto se abrieron las compuertas creativas y Arnold estaba aprendiendo a componer por sí mismo. Las circunstancias familiares y económicas evitarían que el joven Arnold asistiera a la escuela de música y, durante la década de 1880, su único profesor de composición fue él mismo.

A mediados de sus 20 años, Schoenberg había comenzado a estudiar con Alexander von Zemlinsky , un compositor austriaco no mucho mayor que él. Zemlinsky, graduado del prestigioso Conservatorio de Viena, ayudó a llenar los vacíos de conocimiento de Schoenberg. Más tarde, Zemlinsky ayudó a Schoenberg a obtener representaciones de sus primeros trabajos. Entre estas obras se encontraba Verklärte Nacht para sexteto de cuerdas de 1899, cuyo título traducido es ‘Noche transfigurada’.

La música de Schoenberg de este período está fuertemente influenciada por el período romántico de la música, que incluye el trabajo de Brahms y Tchaikovsky. Schoenberg se inspiró en la intensidad emocional de los románticos, y su música de este primer período se hace eco de sus ideas: es intensamente dramática, expresiva y utiliza un lenguaje musical mayoritariamente tradicional.

Expresionismo y Cromatismo

A principios del siglo XX, Schoenberg comenzó a separarse del lenguaje armónico del pasado y a explorar nuevas posibilidades para su música. Durante este período también se interesó por la pintura, y como pintor y compositor quedó fascinado por las ideas asociadas hoy con el expresionismo . El expresionismo, un movimiento especialmente popular en Alemania y Austria, implicó crear arte desde una perspectiva subjetiva y reconocer el efecto de nuestras emociones en nuestra percepción. Dicho de otra manera, los expresionistas querían que viéramos el efecto emocional que el mundo tenía sobre ellos, en lugar de ver el mundo como realmente es. Los seguidores de este movimiento produjeron pinturas que presentaban marcados contrastes de color, figuras distorsionadas y formas abstractas.

Las pinturas de Schoenberg abrazaron el estilo de los expresionistas alemanes, mientras que sus composiciones comenzaron a moverse más y más hacia el cromatismo. El cromatismo, o música cromática, se aleja de las reglas que rigen la música clásica tradicional con respecto a la tonalidad, sugiriendo en cambio que no hay tonalidad y que todas las notas tienen la misma importancia. Esto hace que la música parezca más ambigua e incluso inquietante, y permitió a Schoenberg hacer música expresionista. Al rechazar las reglas tradicionales, o la tonalidad , en favor de una atonalidad sin clave (o, como prefería Schoenberg, pantonalidad ), podía concentrarse en transmitir emoción y perspectiva sin que la historia o las expectativas de los oyentes afectaran la forma en que se experimentaba la música.

Su Sinfonía de cámara de 1907 y Pierrot Lunaire de 1912 se encuentran entre las obras cromáticas más aventureras de Schoenberg de este período. Pierrot Lunaire , obra para violín, viola, violonchelo, piano, clarinete y voz, ha cobrado especial notoriedad. En Pierrot , Schoenberg instruyó a su vocalista, una soprano entrenada, que no cantara. En cambio, el vocalista usa una técnica conocida como spechstimme (literalmente ‘hablar-canción’), hablando el texto melódicamente y aproximadamente alrededor de los tonos dados. Escuchar a alguien realizar sprechstimme puede recordarte una voz ‘espeluznante’ al estilo de Drácula. La mayoría de estas obras tuvieron una mala recepción; el público a menudo los llamaba incomprensibles.

serialismo

En los años siguientes, Europa fue devastada por la Primera Guerra Mundial y la destrucción tuvo un profundo efecto emocional en Schoenberg. Cuando sus estudiantes fueron reclutados para el esfuerzo de guerra, el dinero que ganaba enseñando composición se agotó. Deprimido y pobre, apenas escribió música durante cuatro años.

Esta crisis desencadenó una nueva dirección artística para Schoenberg, quien todavía estaba tratando de liberar su música de la tonalidad del pasado. Cuando terminó la guerra y regresó su trabajo, comenzó a componer nuevamente, esta vez trabajando en un sistema que llamó serialismo de doce tonos . Como antes, Schoenberg trató todas las notas musicales por igual y evitó los centros clave. Ahora, sin embargo, dio un paso más, creando una ‘fila’ de las doce notas posibles y componiendo solo variaciones completas de la fila; esto aseguró que no repetiría una nota hasta que hubiera usado todas las demás notas posibles.

Comenzando con su oratorio Jacob’s Ladder , que comenzó en 1917 pero no terminó, el serialismo se convirtió en la columna vertebral de la música de Schoenberg y definió su trabajo en los años venideros. Algunas de sus obras dodecafónicas más famosas incluyen su Suite para piano, op. 25 de 1923 y sus Variaciones para orquesta de 1928.

Mudanza a América y obras tardías

En la década de 1930, el nazismo estaba creciendo en popularidad en Alemania, y el Partido Nazi tomó el poder oficialmente en 1933. Viviendo en Berlín y temiendo por la seguridad de su familia si se quedaban en Europa, Schoenberg huyó de Alemania en 1934 y se estableció en Los Ángeles, poco después. tomando un trabajo en la UCLA. Se quedaría en Los Ángeles por el resto de su vida, sin dejar de explorar y desarrollar el serialismo en su música.

Obras posteriores reintroducirían elementos de la música tradicional, insinuando incluso retornos a la tonalidad; su fe judía y las experiencias de las dos guerras mundiales pasaron a primer plano. A Survivor From Varsovia de 1947, una de sus obras finales, reunió todo: utilizando un texto que cuenta la historia de un superviviente de la Polonia controlada por los nazis junto con una oración judía, Schoenberg compuso en estilo de doce tonos con la intensidad emocional que aprendió. de sus héroes románticos. Schoenberg murió en 1951.

Resumen de la lección

Arnold Schoenberg fue un controvertido compositor de música clásica; Al igual que Batman, era una especie de antihéroe que usaba métodos poco convencionales que a su audiencia a menudo no le gustaban. Nacido en Viena el 13 de septiembre de 1874, provenía de una familia pobre y comenzó sus actividades musicales de forma autodidacta. De adulto, se enamoró del expresionismo alemán, un estilo de pintura que distorsiona la perspectiva y evita el realismo. Schoenberg trató de capturar el impulso expresionista en su música, primero con cromatismo y luego con serialismo dodecafónico. En la década de 1930, huyó de Europa a los Estados Unidos y terminó su carrera y su vida en Los Ángeles.