Arte manierista: definición, características y ejemplos
Manierismo: obra maestra del Renacimiento
Si sus predecesores alcanzaron la perfección, ¿qué le queda por hacer? Esa es la pregunta que parecía perseguir a la generación de artistas que alcanzaron la mayoría de edad en la Italia del Renacimiento después de 1520 viviendo en las sombras proyectadas por Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Su respuesta a estas dinámicas únicas fue empujar el arte en direcciones muy extrañas.
Los pintores que ahora llamamos manieristas exageraron y distorsionaron las características definitorias del arte del Alto Renacimiento, creando imágenes inquietantes, a veces extrañas. Esta forma de arte fue ignorada, incluso despreciada, hasta el siglo XX. Como algunos artistas surrealistas de nuestro tiempo (incluidos los creadores de portadas de álbumes de rock progresivo), los manieristas utilizaron su dominio de la perspectiva, el modelado, la línea y el color para crear mundos artificiales que, sin embargo, eran minuciosamente “ realistas ” en sus detalles.
Definiendo el manierismo
El término manierismo proviene de la palabra italiana maniera , refiriéndose al estilo personal; el término se deriva de mano , que significa mano, porque el estilo se consideraba inseparable del toque personal, o “mano”, del artista. Casi cien años después de su introducción, el término maniera se aplicó por primera vez para describir este período y estilo de arte, y en ese momento no se pretendía como un cumplido. En cambio, implicaba que estos artistas habían valorado el estilo por encima de la sustancia, complaciendo peculiaridades personales a expensas de la visión universal del Alto Renacimiento.
Arte de mediados del siglo XVI
La mitad del siglo XVI se consideró durante mucho tiempo como un período de declive artístico y cultural, y no es demasiado difícil ver por qué. Leonardo da Vinci había muerto en 1519 y Rafael en 1520. Miguel Ángel (1475-1564) todavía tenía muchos años productivos por delante, pero ya había completado sus obras más conocidas ( David , terminado en 1504, y el techo de la Sixtina Capilla, pintada entre 1508 y 1512). Curiosamente, su propio trabajo posterior se caracterizó por el manierismo.
Los acontecimientos políticos de la época tampoco fomentaron el optimismo. En 1527, Roma fue saqueada por las tropas del emperador Carlos V, y en 1530, la ciudad de Florencia, el corazón mismo del Renacimiento, perdió su estatus de república independiente después de un devastador asedio de 10 meses. Significativamente, el arte de Venecia, que se mantuvo estable e independiente, no se vio muy afectado por el manierismo.
El manierismo no se tomó en serio como estilo hasta principios del siglo XX, cuando los críticos comenzaron a apreciar las actitudes experimentales de los manieristas. Fue solo en este punto que el término ‘manierismo’ se generalizó como el nombre propio de una escuela de arte en particular.
Características del manierismo
Generalmente, los manieristas se aferraron a los elementos de la pintura renacentista que la hacían tan realista, especialmente los que se usaban para crear la ilusión de las tres dimensiones. Pero otros elementos pueden estar distorsionados o llevados a extremos. Donde una generación anterior de pintores había buscado crear un nuevo sentido de armonía y estabilidad, los manieristas introdujeron tensión y extrañeza.
Los manieristas a menudo preferían colores chillones como rosas y naranjas o verdes y violetas sobre los tonos más tranquilos. Las figuras adoptan poses exageradas, como bailarinas modernas; a veces sus rostros sugieren agitación o incluso tormento, pero otras veces son extrañamente inexpresivos.
El manierismo también dejó su huella en la arquitectura y la escultura, especialmente en las últimas obras de Miguel Ángel. Al igual que en la pintura, las obras manieristas se caracterizan por la exageración o alteración de las proporciones, la postura y la expresión.
Ejemplos
En la Deposición de la Cruz , también conocida como el Entierro , pintado por Jacopo Pontormo (1494-1557), las figuras que llevan el cuerpo de Cristo parecen estar vestidas con leotardos de colores extraños, y algunos se ponen de puntillas. El escenario está definido sólo vagamente.
Otra famosa interpretación manierista del mismo tema, la Deposición pintada en 1521 por Rosso Fiorentino (1494-1540), presenta figuras afligidas cuyas ropas parecen ondear con un fuerte viento. En ambas pinturas, las figuras ocupan los bordes de la composición, mientras que el centro queda relativamente vacío.
Otros artistas manieristas distorsionaron los cuerpos de las figuras que representaron. El pintor conocido como Parmigianino (1503-1540) incluso hizo un autorretrato inspirado en su reflejo distorsionado en el espejo convexo de un barbero, pintándolo en un panel convexo hecho especialmente.
La pintura más famosa de Parmigianino muestra a la Virgen y el Niño, un tema convencional, pero los cuerpos son extrañamente alargados, especialmente el cuello de la Virgen; de hecho, esta imagen se conoce simplemente como Madonna con el cuello largo .
Muchas de las cualidades que pueden hacer que el arte manierista sea tan inquietante se unen en una obra de Agnolo Bronzino (1503-1572) conocida como Alegoría de Venus y Cupido , Alegoría de la lujuria o Venus, Cupido, Locura y Tiempo . En esta imagen, Cupido, que tiene una columna vertebral anormalmente flexible, planta un beso claramente inapropiado en los labios de su madre, la diosa Venus. A su alrededor hay una hermosa niña con el cuerpo de un monstruo, un querubín que lanza capullos de rosa, una figura que grita de agonía y varias máscaras vacías. La cortina azul hielo detrás de ellos amplifica la fría palidez de sus cuerpos.
Bronzino también es conocido por los retratos de aristócratas realizados con el mismo estilo, como su retrato de Lucrezia Panciatichi.
Resumen de la lección
Nadie ha sabido nunca qué hacer con el arte de los manieristas . Como hemos visto, se descartó durante siglos como evidencia de declive o incluso decadencia. Pero finalmente el trabajo de artistas como Pontormo , Bronzino , Parmigianino y Rosso Fiorentino llegó a ser apreciado por las mismas cualidades que a las generaciones anteriores no les gustaban. Trabajando en la larga sombra proyectada por los grandes artistas del Alto Renacimiento, estos pintores traspasaron los límites, luchando por la originalidad donde sus predecesores habían buscado la perfección.