Canciones del Renacimiento: Madrigales y partes vocales

Cantando en el Renacimiento

La cultura pop actual ha engendrado un encaprichamiento por el canto, particularmente por las bandas de chicos que hacen desmayar a las jóvenes. Curiosamente, este enamoramiento por el canto no es diferente de la época del Renacimiento , aproximadamente 1450-1600, cuando el canto era valorado por la iglesia, la élite y la gente común por igual. En realidad, aprender a cantar se consideraba tan importante aprender como leer, lo cual no es una afirmación pequeña, considerando que la imprenta acababa de ser inventada.

Con el ascenso de los aristócratas adinerados, el mecenazgo de la música comenzó a desplazarse de la iglesia a las cortes reales. Y como se valoraba mucho el canto y la lectura, hacían una combinación perfecta en el madrigal. Un madrigal es una canción secular de varias voces cantada sin acompañamiento que tiene una letra basada en la poesía.

Características del Madrigal

El gran interés por la poesía en esta época llevó a los compositores a tomar poemas y realzarlos con una ambientación musical. A menudo trataban sobre el amor y, a veces, eran humorísticos o satíricos. Por lo general, había de 4 a 6 voces en una canción determinada, y todas las voces desempeñaban un papel igual, lo que significa que ninguna parte era más importante que otra. Esto se debe en parte a que los madrigales se cantaban a capella o sin acompañamiento instrumental.

Los primeros madrigales empezaron con cuatro partes vocales: la soprano , el alto , el tenor y el bajo . Las dos partes más altas, la soprano y el alto, son típicamente cantadas por mujeres, mientras que las dos partes más bajas, el tenor y el bajo, son típicamente cantadas por hombres. Estas voces a veces se combinaron donde los cantantes cantaron el mismo ritmo con diferentes tonos y otras veces con diferentes ritmos y diferentes tonos.

Madrigales tempranos

Los primeros madrigales se escribieron en Italia alrededor del año 1520. Como se mencionó anteriormente, la letra de los madrigales se tomó de la poesía popular. La música se agregó para realzar la emoción del texto. Los primeros madrigales eran principalmente de naturaleza seria o triste, por lo que la música utilizada para realzar la poesía reflejaba esto. Si bien la emoción es algo moderada, esto se consideró un cambio significativo en el estilo y expresión musical de la época.

En un ejemplo de Jacques Arcadelt , uno de los principales compositores de madrigales de la época, podemos escuchar a las cuatro voces cantando en ritmo junto con una ligera emoción.

Madrigales de mediados de siglo

A medida que avanzaba el siglo XVI, los madrigales incorporaron más emoción y se puso mayor cuidado en reflejar el texto dentro de la música. Los compositores también agregaron una quinta parte vocal y, a veces, también se agregó una sexta parte. El estilo fue evolucionando para tener más diversidad de ritmos en comparación con los madrigales anteriores.

Escuche este ejemplo de Cipriano de Rore . En comparación con el ejemplo del período temprano, se cantan más ritmos independientes y la expresión del texto es más rica. Basado en un poema de amor, el compositor expresa la idea de que, si bien la despedida es un dolor tan dulce, el reencuentro con la persona amada brinda una gran alegría.

Madrigales italianos tardíos

Todo el desarrollo del madrigal a principios y mediados del siglo XVI preparó el escenario para el pináculo del madrigal a finales del siglo XVI. Los compositores utilizaron nuevas técnicas para tejer la música y la poesía en algo más grande que la suma de sus partes.

Una técnica llamada pintura de palabras es donde los tonos de la música reflejan literalmente el significado del texto. Por ejemplo, si el texto dice «corriendo hacia abajo», las notas sonarán descendentes. Del mismo modo, algunos compositores, como Luca Marenzio, utilizaron la música para expresar el contraste y los detalles visuales. En su madrigal, Solo e pensoso , Marenzio usa las palabras del poema para dictar el ritmo o el ritmo de las notas, como notas rápidas para las palabras ‘huir’ y ‘escapar’, o tonos que ascienden lentamente para representar al poeta. caminando solo, como se escucha aquí.

Otra nueva técnica que se utilizó fue el cromatismo . Esto implicó el uso de tonos para crear tensión en una expresión de dolor o pena. Entonces, en lugar de un sonido típicamente agradable como este, o incluso un sonido triste como este, el cromatismo atrae tonos inesperados para un sonido algo impactante. Esta técnica todavía se usa hoy, especialmente en películas de terror.

Un famoso compositor de madrigales conocido por utilizar el cromatismo fue Carlo Gesualdo . Es bien conocido por sus madrigales altamente emocionales, como Moro, Lasso . Otro gran italiano fue Claudio Monteverdi . Escribió muchos madrigales, que luego lo influenciaron para escribir algunas de las primeras óperas.

Madrigales ingleses

Al otro lado del estanque de Italia, los madrigales ingleses estaban de moda. Tuvieron un comienzo un poco tarde, ya que tenían guerras religiosas y políticas, pero una vez que comenzó el madrigal inglés a fines del siglo XVI, estuvo allí para quedarse. En ese momento, Inglaterra parecía estar un poco enamorada de Italia; Shakespeare basó sus historias allí, los artistas ingleses fueron influenciados por los humanistas italianos. Y así, el madrigal italiano resultó ser un eslabón más de la cadena.

Los madrigales ingleses tendían a ser menos serios y de tema más ligero, y como tal, la música se reflejaba en consecuencia. Los textos más simples y el humor llevaron a los compositores ingleses a agregar palabras sin sentido como ‘fa-la-la’, como en el villancico Deck the Halls.

El compositor inglés Thomas Weelkes escribió uno de los madrigales ingleses más famosos llamado As Vesta Was From Latmos Hill Descending . En esta composición, Weelkes usó una gran cantidad de pintura de palabras, como las palabras ‘ascendente’ y ‘descendente’, donde los tonos suben y bajan, o las palabras ‘dos ​​por dos’ y ‘tres por tres’, que fueron musicalmente representado por dos cantantes y luego tres cantantes, respectivamente. También escribió gran parte de su propia poesía con la intención de establecer un entorno musical, por lo que pudo elegir palabras específicamente para la pintura de palabras y la representación visual.

Resumen de la lección

En total, el madrigal puede ser el género secular más importante del siglo XVI. Debido a que tanto el canto como la poesía se consideraban importantes, los madrigales se utilizaron en toda Europa y en muchas clases sociales.

Los compositores mejoraron el significado del texto mediante técnicas como la pintura de palabras y el cromatismo . La experimentación musical de los compositores italianos de finales del siglo Carlo Gesualdo , Luca Marenzio y Claudio Monteverdi llevó la poesía musical a nuevas alturas y puso en marcha la creación de nuevos estilos dramáticos en el siglo XVII. Compositores ingleses, como Thomas Weelkes , aportaron humor y ligereza al género, con pintura de palabras sustanciales y poesía original orientada a la aplicación musical.

Los resultados del aprendizaje

Después de terminar esta lección, debería poder:

• Reconocer la importancia de la música madrigal en el siglo XVI.
• Recordemos a los principales compositores influyentes de esta música.
• Recuerda las características del madrigal inglés

Rodrigo Ricardo Editor y fundador