Cómo crear significado en el arte: técnicas y ejemplos

Fondo de significado artístico

Hay una conversación en curso sobre si esta o aquella composición es en realidad arte o simplemente una bonita decoración. Existe un debate aún más profundo sobre qué determina qué es y qué no es arte en primer lugar. Podría decirse que la forma más fundamental de separar los dos es que el arte te hace pensar, sentir e interactuar con una imagen de una manera reflexiva o emocional, mientras que la decoración se adapta a un estilo en particular y suele ser agradable de ver, pero no demasiado rentable. mucha atención a. Esto de ninguna manera descarta el valor de las piezas decorativas o el diseño, pero en el ámbito del significado, una obra de arte nos habla a través de una comunicación compleja y en capas.

Despeguemos estas capas y veamos algunas técnicas utilizadas en las obras de arte. Al hacerlo, veremos cómo estas técnicas juegan un papel sutil y de apoyo, ayudando a aclarar un mensaje y crear significado.

Formas

Las formas son un maravilloso ejemplo de herramientas de comunicación. Los cuadrados y rectángulos pueden proporcionar una sensación de estabilidad y equilibrio. Los círculos pueden ser suaves, femeninos, eternos o completos. Finalmente, los triángulos pueden cambiar de significado según su dirección, pero a menudo representan acción y, a veces, peligro. Se trata de formas geométricas determinadas por regularidad y principios matemáticos.

Por otro lado, tenemos formas orgánicas , o formas que no se adhieren a un patrón de fórmula y se parecen a lo que encontramos en la naturaleza. Las formas geométricas nos involucran lógicamente, comunicándose en un sentido directo y audaz, mientras que las formas orgánicas son más suaves y relajadas; se comunican emocionalmente.

Echemos un vistazo a la forma en The Gulf Stream , una pintura de Winslow Homer. En esta imagen, vemos muchos triángulos en las olas entrecortadas, los extremos dentados del mástil roto y la proa del barco. Los triángulos más prominentes, sin embargo, son las aletas de los tiburones junto con sus bocas abiertas y cabezas triangulares. Puede sentir el peligro en los ángulos agudos, lo que respalda el peligro del mar, los tiburones y la incapacidad para navegar.

La corriente del golfo de Winslow Homer – 1899

Sin embargo, si miras el rostro del hombre en el bote, parece relajado. Está mirando a un lado, no a los tiburones ni siquiera al mástil roto. Vemos una tranquila confianza y determinación en su capacidad para recostarse en la cubierta de un barco averiado en aguas agitadas e infestadas de tiburones. Los peligrosos triángulos contrastan enormemente con las formas orgánicas de las esponjosas nubes que se encuentran a lo lejos.

Técnica y equilibrio

Ahora echemos un vistazo a Un domingo en La Grande Jatte , que es una pintura de Georges Seurat. Lo primero que podemos sentir es una sensación general de control, pero tiene una moderación relajada. En parte, esto se crea mediante una combinación del tema y la técnica. Seurat creó toda esta pintura mediante la técnica del puntillismo , creando una imagen más grande a partir de pequeños puntos de pigmento. Básicamente, utilizó píxeles antes de que se inventaran las imágenes digitales.

Un domingo en La Grande Jatte de Georges Seurat – 1884

La sensación de control impregna la imagen porque su técnica requería una intensa concentración y planificación para lograr la composición deseada. Esto es aún más impresionante cuando te das cuenta de que su composición mide casi dos metros de alto y poco más de tres metros de largo.

Regresemos a Un domingo en La Grande Jatte y veamos cómo Seurat utilizó el equilibrio , que es el principio del arte en el que los objetos están dispuestos de manera que cada lado de una composición llame la misma atención. Esta pintura utiliza un equilibrio asimétrico , colocando una figura grande a la derecha y varias figuras más pequeñas a la izquierda. Seurat utiliza una mayor cantidad de objetos con menos peso visual para equilibrar algo de mayor peso visual. Esto ayuda a llamar la atención desde la cima de la colina hasta la orilla del agua como si estuviéramos siguiendo la pendiente.

Finalmente, las formas en esta imagen tienen muchas líneas de borde redondeadas. Son algo orgánicos, pero también vemos toques de formas geométricas, como círculos en la curva de los paraguas y el bullicio, que, por si no estás familiarizado con los viejos estilos de vestir, es un marco debajo de una falda para crear. los extremos traseros exageradamente redondos. Todo en esta imagen nos dice sobre la sociedad de la era victoriana y el sentido de la etiqueta adecuada y el control cuidadoso, incluso cuando disfrutamos de un día relajante.

Desequilibrio y contraste

Nuestro último ejemplo es La visión de Tondalys de Hieronymus Bosch. Esta pintura está basada en un escrito medieval sobre un noble llamado Tondal que se desmaya en una fiesta y es conducido por un ángel a través del infierno para enseñarle cómo ser bueno.

La visión de Tondalys de Hieronymus Bosch – 1485

En esta pintura, puedes ver una sensación de caos llenando la mayor parte de la composición. Hay una serie de escenas individuales que no se sienten vinculadas con el diseño general; sin embargo, todos parecen pertenecer a la imagen. En parte, esto se debe a que Bosch empleó con destreza el desequilibrio para crear una sensación de caos en su descripción del infierno.

El desequilibrio significa que un área de una composición pesa más que otras. Si dibujara una línea en el centro, sería más pesada en un lado que en el otro. Imagínese un niño pequeño en un lado de un balancín y un luchador de sumo en el otro. En este caso, asumiendo que nuestro hipotético luchador de sumo no ha enviado al niño a la estratosfera, es la forma o figura grande en la esquina inferior derecha que no parece estar bien equilibrada con el resto de la composición.

Vemos contraste al comparar la mayor parte del espacio con la esquina superior izquierda, que es un paisaje tranquilo y hermoso. Naturalmente, también ves al ángel y Tondal mirando los horrores de abajo.

Resumen de la lección

Crear significado en el arte representa la diferencia entre hermosas decoraciones y una comunicación entre el artista y la audiencia. Los artistas utilizan una serie de técnicas para comunicarse, incluido el uso cuidadoso de formas orgánicas , que son formas que no se adhieren a un patrón de fórmula y se parecen a lo que encontraríamos en la naturaleza, y formas geométricas , que están determinadas por la regularidad y los principios matemáticos. . Pueden jugar con el equilibrio para dar el mismo peso visual a ambos lados de una composición, a veces utilizando un equilibrio asimétrico , donde los objetos más livianos o más pequeños trabajan para equilibrar los más grandes. Incluso desequilibrio, o dar más peso a un área de una composición que a otras, puede transmitir un significado particular. Finalmente, la propia técnica pictórica puede comunicarse con el público, como en la pintura de Seurat donde el uso del puntillismo , que implica la creación de una gran imagen con diminutos puntos de color, habla de control y moderación.