Comparación del uso de la luz y el avión en el Renacimiento y el Barroco

Progresión de estilos y técnicas

El arte alcanzó uno de sus puntos culminantes en el mundo renacentista de los años 1400 a 1600. Los artistas desarrollaron y perfeccionaron su técnica y se enfocaron en llevar sus obras al cenit de la claridad y el orden. Del Renacimiento surgieron grandes obras como La última cena de Leonardo da Vinci, La escuela de Atenas de Rafael y La creación de Adán de Miguel Ángel.

Sin embargo, el arte no se detuvo incluso después de alcanzar las alturas del Renacimiento. Los artistas continuaron alcanzando nuevos niveles y jugando con innovaciones en técnica y estilo. A medida que avanzaba el siglo XVII, el período barroco emergió con todo su drama e intensidad. El arte barroco es emotivo y extravagante. Apela tanto a los sentidos como a la psique humana, e incorpora sorprendentes contrastes.

En esta lección, vamos a explorar cómo los artistas barrocos se movieron más allá del Renacimiento para desarrollar sus propios métodos y enfoques del arte, especialmente en el uso de la luz y el plano.

Diferencias en luz y plano

Las principales diferencias entre el arte renacentista y barroco aparecen cuando estudiamos cómo los artistas de los dos períodos tratan la luz y el plano. Tomemos un momento para definir nuestros términos. En el mundo del arte, los artistas incorporan la luz a sus obras de muchas formas diferentes, pero se centran principalmente en los contrastes entre la luz y la oscuridad y las gradaciones de sombras en el medio. Los artistas también prestan especial atención a cómo construyen sus cuadros geométricamente mediante el uso de planos , que son áreas abstractas bidimensionales que se extienden en direcciones particulares.

Primero veamos la luz. En el Renacimiento, la luz fue una herramienta que los artistas utilizaron para definir sus temas. Si bien sus obras ciertamente exploran los contrastes entre la luz y la oscuridad, sus sujetos permanecen claramente definidos con límites definidos. La luz ilumina los detalles y las formas de los sujetos artísticos de forma controlada. La claridad es clave.

En la época barroca, en cambio, la luz se convirtió en un tema en sí mismo. Los artistas barrocos utilizaron contrastes intensos entre la luz y la oscuridad, una técnica llamada claroscuro , para oscurecer sus sujetos y crear una sensación de misterio y drama. En el arte barroco, los límites se difuminan y los detalles y las formas se vuelven sombras. Las imágenes se fusionan y se vuelven indistintas, y los espectadores sienten que tienen que entrecerrar los ojos un poco para averiguar dónde termina un objeto y comienza el siguiente. La ambigüedad es bienvenida.

El contraste entre el arte renacentista y barroco se extiende al uso del avión por parte de los artistas. Los artistas del Renacimiento se centraron en el equilibrio, la simetría y el paralelismo. Su trabajo utiliza planos que se alinean de manera horizontal y fuerte y guían el ojo suavemente hacia arriba y hacia abajo por la pintura. Los sujetos y las imágenes se colocan proporcionalmente a lo largo de la obra, equilibrándose entre sí regularmente sobre un fondo plano. Todo está bien, limpio y ordenado.

Las obras barrocas, en cambio, incorporan múltiples planos que se dirigen en diferentes direcciones, se encuentran en ángulos extraños y se rompen o desaparecen en varios puntos de la pintura. Los espectadores tienen la impresión de construcciones en zigzag y una enorme profundidad, así como un poco de caos, ya que los artistas barrocos rara vez equilibran sus temas y tienden a despreciar la simetría y las proporciones regulares. El contraste y el movimiento son cruciales.

Un estudio de contrastes

Para tener una mejor idea de los contrastes entre el arte renacentista y barroco, examinemos una pintura de cada época.

Comenzaremos con la Escuela de Atenas de Rafael , una obra clásica del Renacimiento. Observe que es ligero y brillante con figuras nítidas, claras y bien definidas. Los detalles de cada figura se destacan, incluso hasta los pliegues de las túnicas y las palabras en los libros. Fíjese también en el fuerte sentido de equilibrio y proporción de esta pintura. Las figuras están agrupadas simétricamente, con grupos similares a ambos lados de la obra. El edificio también está representado de forma simétrica y regular, con una serie de arcos que llevan la mirada hacia arriba. Incluso los escalones revelan el conjunto de planos horizontales que el artista utilizó para organizar su obra. Todo se siente claro, estable y ordenado.

Ahora veamos una pieza barroca, a saber, La ronda de noche de Rembrandt .Observe primero los contrastes irregulares entre la luz y la oscuridad. Dos figuras se destacan en una luz brillante. El resto se desvanece en sombras y oscuridad, con toques de luz que descansan en algunos rostros y prendas de vestir. Los detalles, aunque destacan fuertemente en algunas áreas, se pierden en la oscuridad en otras. Los espectadores sienten que tienen que entrecerrar los ojos un poco para mirar a través de la oscuridad y distinguir las imágenes ocultas en su interior. Además, observe la asimetría y la irregularidad de la pintura. El ojo no sabe muy bien a dónde ir, ya que se siente atraído por varios lugares a la vez. Nada es proporcional ni equilibrado. Los aviones se extienden en varias direcciones, creando ángulos de intersección y zigzags, como en las lanzas y la bandera, por ejemplo. El fondo de la pintura está casi perdido en la oscuridad, pero incluso carece de orden o repetición.

Resumen de la lección

Revisemos. Existe un marcado contraste entre el arte renacentista de los años 1400 a 1600 y el arte barroco que lo siguió. Esta distinción es particularmente evidente en el uso de la luz y el plano por parte de los artistas del Renacimiento y el Barroco.

Los artistas incorporan la luz a sus obras de muchas formas diferentes, pero se centran especialmente en los contrastes entre la luz y la oscuridad y las gradaciones de sombras en el medio. En el Renacimiento, la luz fue una herramienta que los artistas utilizaron para definir sus temas. Sus obras ciertamente exploran los contrastes entre la luz y la oscuridad, pero sus sujetos permanecen claramente definidos con límites definidos. La luz iluminó los detalles y las formas de los sujetos artísticos de forma controlada. En la época barroca, la luz se convirtió en un tema en sí mismo. Los artistas barrocos utilizaron contrastes intensos entre la luz y la oscuridad, una técnica llamada claroscuro , para oscurecer sus sujetos y crear una sensación de misterio y drama. En el arte barroco, los límites se difuminan y los detalles y las formas se pierden en la sombra y la oscuridad.

Los artistas también prestan especial atención a cómo construyen sus cuadros geométricamente mediante el uso de planos , que son áreas abstractas bidimensionales que se extienden en direcciones particulares. En el Renacimiento, los artistas se centraron en el orden, el equilibrio, la simetría y el paralelismo. Los planos se alinean de manera fuerte y horizontal, y las imágenes se colocan proporcionalmente a lo largo de la obra, equilibrándose entre sí regularmente sobre un fondo plano. Los artistas barrocos se centran en el contraste, el movimiento y la profundidad. Sus obras incorporan múltiples planos que zigzaguean en diferentes direcciones, se encuentran en ángulos extraños y se rompen o desaparecen en varios puntos de la pintura.

Para ilustrar estos conceptos, examinamos la Escuela de Atenas de Rafael , una obra clásica del Renacimiento, y La ronda de noche de Rembrandt , una obra barroca, y notamos las asombrosas diferencias entre estas dos pinturas que muestran cómo el arte se desarrolla con el tiempo.

Los resultados del aprendizaje

A medida que avanza en la lección, determine su capacidad para:

• Nombra las principales obras de arte barroco y renacentista
• Compara los usos barrocos y renacentistas de la luz y el plano
• Caracterizar el arte renacentista y barroco

Rodrigo Ricardo Editor y fundador