Escuelas de música renacentistas
Hay un dicho que dice que «todas las cosas buenas vienen de a tres», y ese fue ciertamente el caso de las escuelas de pensamiento musicales en la música renacentista. Las escuelas flamenca , virginalista y veneciana no fueron una excepción a la regla de los tres, y sus contribuciones de aproximadamente 1450-1600 cambiaron significativamente la música. En el meollo del período del Renacimiento, estas escuelas trajeron nuevas ideas que rápidamente llevarían la música al siguiente nivel melódica, instrumental y armónicamente.
Escuela flamenca
La escuela flamenca se centró en los ‘países bajos’, ahora conocidos como Holanda y Bélgica. Este fue el primer punto caliente del nuevo pensamiento musical desde finales del período medieval. Podemos pensar en la escuela flamenca como el juego Pac-Man. Una de las primeras cosas que puede notar al jugar es cómo su pequeño círculo amarillo muerde audiblemente a un ritmo regular. Los compositores flamencos también hicieron esto, no literalmente, por supuesto.
En contraste con el estilo medieval tardío, donde cada palabra tenía líneas melódicas muy largas para cada sílaba, los compositores optaron por escribir melodías que reflejaban el ritmo natural del texto hablado. Como muchos autores y pintores del Renacimiento, los compositores flamencos recurrieron a las influencias griegas y romanas, que inspiraron un enfoque en el lado emocional de la música. Para lograrlo, hubo un maridaje de palabras y música, donde los poetas escribieron de manera más lírica y los compositores escribieron melodías específicamente para imitar las palabras, siguiendo el ritmo de las palabras.
Al igual que los niveles cada vez más complejos del juego, los compositores flamencos hicieron música cada vez más compleja. La idea de que cada parte de la voz era igualmente importante se estaba convirtiendo en un factor significativo en la creación de nueva música. Una sola voz ya no dominaría la música.
En cambio, las melodías de cada parte de canto se ponderarían igualmente como melodías concurrentes en lugar de solo una melodía y algunas partes de fondo. A saber, su uso del contrapunto imitativo , que es cuando tienes melodías entrelazadas simultáneas que se hacen eco entre sí, realzó la complejidad de las canciones. En contrapunto, cada melodía es independiente, pero juntas crean armonía.
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Por ejemplo, un uso de nivel uno del contrapunto imitativo puede sonar así, pero a medida que las canciones se desarrollaron, se volvieron cada vez más complicadas. Con todas estas líneas cruzadas de la música, se desarrollaron reglas estrictas de lo que era aceptable y lo que era inaceptable. Este fue particularmente el caso de la armonía, especialmente con la adición de nuevas notas e ideas teóricas recientemente establecidas.
Las reglas mantuvieron a todos en línea, algo así como las paredes del juego Pac-Man. Nadie flota a través de las paredes, y ningún compositor iba a salirse con la suya con demasiadas combinaciones de notas inaceptables que carecían de armonía, lo que se conoce como disonante . Tuvieron cuidado de alternar las disonancias con combinaciones de notas más armónicamente agradables, que se conocen como consonantes . Si bien esto suena como una opción obvia, fue fundamental para el desarrollo del Renacimiento, ya que la igualdad de voces era una idea nueva para el período de tiempo.
Dos notables compositores de esta escuela son Josquin des Prez y Johannes Ockeghem . Josquin era conocido por su brillante uso del contrapunto imitativo y la música coral sacra emocional. Ockeghem era conocido por sus masas únicas, en las que mezclaba estilos antiguos y nuevos. Algunas de sus técnicas de composición innovadoras incluyeron hacer que los cantantes cantaran la misma música, pero con un giro, como un retraso entre las partes o dar vuelta las notas al revés o al revés.
Los virginalistas
Las otras dos escuelas de pensamiento musical trajeron cambios a la música instrumental. Si bien la música instrumental existía antes de este período, gran parte de ella se olvidó, ya que la música generalmente se tocaba de memoria o se improvisaba en lugar de escribirse. Con los avances realizados en la impresión y en la notación musical, se conservó y distribuyó más música entre el público educado. Durante el Renacimiento, la música se valoraba desde el punto de vista educativo y era probable que una persona educada usara la música en sus propios hogares.
Esto nos lleva a lo Virginal . El virginal es un antepasado del piano que usaba una pluma para puntear las cuerdas dentro del instrumento. Era lo suficientemente pequeño y silencioso como para jugar en casa y se hizo bastante popular durante el Renacimiento. La escuela de compositores que escribieron música para los virginales se conoce como virginalistas .
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Los virginalistas eran un grupo de compositores ingleses conocidos por su uso inteligente de temas musicales. Un tema musical es una pequeña idea musical. Puedes pensar en los juegos de Mario como un ejemplo. Hay muchos juegos diferentes que involucran al plomero italiano rechoncho y bigotudo, pero el tema de los juegos es básicamente el mismo: recolectar monedas, matar a los malos, salvar a la princesa. Por lo general, los temas eran melodías simples y, a menudo, se basaban en bailes o canciones familiares.
Los temas fueron manipulados para crear variaciones , donde el ritmo o los tonos de un tema se modifican para crear una melodía nueva, pero aún reconocible. Si decimos que Mario es el tema, entonces cada traje usa una variación diferente del tema, algunos le permiten nadar, volar o moverse de una manera diferente. Todavía son todos Mario, pero se ven y funcionan de manera diferente. Dos compositores virginalistas populares fueron William Byrd y Orlando Gibbons . Cada uno era conocido por su uso inventivo de la variación temática.
La escuela veneciana
La última escuela que inició una tendencia significativa fue la escuela veneciana . Ubicados en Venecia, Italia, los compositores venecianos eran conocidos por sus innovaciones en la música instrumental y la creatividad en la música coral. El sello distintivo de la escuela veneciana es el estilo policoral , en el que un coro se divide físicamente en dos entidades separadas. Esto fue iniciado por el trasplante flamenco Adrian Willaert , quien trajo consigo el estilo polifónico de los compositores flamencos cuando se mudó a Venecia.
Como líder musical en la Iglesia de San Marcos en Venecia, Willaert se enfrentó a un problema inusual: la iglesia tenía dos lofts de coro, lo que creaba un retraso en el sonido entre los dos coros. En lugar de regañar a los cantantes por no cantar al unísono, Willaert escribió música para adaptarse a la distancia. Entonces, los coros cantaban líneas de música contrastantes en sucesión, de hecho, turnándose para cantar. Puedes pensar en este estilo como un equipo de etiqueta. ¡Piensa en lo fáciles que serían las cosas en un juego si pudieras tener dos protagonistas trabajando juntos! El uso de sonido estéreo ganó rápidamente popularidad en Venecia y se extendió por Europa.
El compositor Giovanni Gabrieli llevó la idea policoral un paso más allá adaptándola a los instrumentos. Su Sacrae symphoniae fue una de las primeras piezas instrumentales de conjunto que fue escrita para instrumentos específicos. Además, Gabrieli tiene uno de los primeros usos documentados del cambio de volumen dentro de una canción.
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Escrita en 1597, su pieza Sonata pian ‘e forte fue una pieza instrumental escrita con marcas dinámicas suaves y fuertes, que indicaban el volumen a tocar. Estas dos ideas fueron muy influyentes y actuaron como un nuevo arsenal de herramientas para la composición. Entonces, en lugar de que un personaje solo tenga una o dos espadas para defenderse de los enemigos, tendrían casi infinitas combinaciones nuevas para aplicar.
Resumen de la lección
Con la tendencia cosmopolita de viajar en la Europa del Renacimiento, los estilos flamenco , virginalista y veneciano se extendieron rápidamente por todo el continente. El énfasis melódico de los virginalistas, los tejidos contrapuntísticos de voces igualmente importantes de los flamencos y la música policoral e instrumental de los venecianos llenaron la música sacra y secular de nuevas ideas que fomentarían una nueva experimentación y desarrollo en el próximo período barroco.
Los resultados del aprendizaje
Cuando haya terminado esta lección, debería poder:
- Describir el estilo musical de la escuela flamenca, incluido el uso del contrapunto imitativo.
- Resumir los elementos de la escuela virginalista
- Reconocer las características de la escuela veneciana, incluido el uso del estilo policoral.
- Enumere algunos de los principales compositores de cada escuela.
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