Harry Callahan: biografía y fotografía

Principios

Harry Callahan (1912-1999) no planeaba una carrera en las artes. Nacido en Detroit en una familia de agricultores y trabajadores de la industria automotriz, asistió a la Universidad Estatal de Michigan y tomó clases de ingeniería química. Pero no terminó la universidad, estudiar no era lo suyo. En cambio, aceptó un trabajo como empleado en Chrysler Motor Parts Corporation en 1936.

Trabajar en una fábrica podría no haber parecido una elección auspiciosa, pero le abrió dos puertas importantes. En 1938, compró su primera cámara y se unió al Chrysler Photo Club (un grupo de aficionados en la planta) para aprender a usarla. Y le presentaron a una joven secretaria de planta después de que ella vio una foto de él y pensó que era lindo. Se casaron y Eleanor Callahan se convirtió en uno de sus principales sujetos fotográficos durante los siguientes cincuenta años.

Con el deseo de aprender más, Callahan pronto se unió al Detroit Photo Guild. En 1941, conoció a Ansel Adams en un taller que el famoso fotógrafo estaba dando en Detroit. Las imágenes de Adam eran dramáticos juegos de luces y sombras. Callahan se inspiró y se sintió atraído por la fotografía. Se fue a la ciudad de Nueva York, conoció al fotógrafo pionero Alfred Stieglitz y decidió dedicarse a la fotografía como profesión.

Fotógrafo y profesor

Callahan pudo haber sido autodidacta, pero era un perfeccionista muy disciplinado que tomaba fotos incansablemente en pos de sus objetivos. Trabajaba todos los días, recorriendo las calles de la ciudad en busca de inspiración. Siempre tenía su cámara con él, y su esposa recuerda que a veces él simplemente le decía que dejara de hacer lo que estaba haciendo para posar para él.

La habilidad de Callahan se desarrolló rápidamente y llamó la atención de otros, incluido el fotoperiodista Arthur Siegel. En 1946, Siegel y el teórico del arte y fotógrafo modernista húngaro Laszlo Moholy-Nagy invitaron a Callahan a enseñar en el Instituto de Diseño de Chicago. Moholy-Nagy había alcanzado la mayoría de edad en Europa después de la Primera Guerra Mundial, cuando los movimientos artísticos modernistas como el cubismo y el suprematismo cambiaron radicalmente la forma en que los artistas creaban imágenes y los liberaron de tener que pintar objetos reconocibles.

Callahan absorbió algo de este pensamiento y lo puedes ver en su trabajo. Veía la fotografía como una lente a través de la cual se podía observar el mundo, pero no sintió la necesidad de ceñirse a la idea de las fotografías como documentos de eventos o personas. A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, la mayoría de la gente no veía la fotografía de esta manera: entre los artistas plásticos, la idea de tomar fotografías con una cámara se consideraba un arte menor que la pintura o el dibujo. La fotografía podría utilizarse para desarrollar ideas, pero solo unos pocos artistas (como Ansel Adams) la perseguían como una forma de arte por derecho propio.

Eleanor, Nueva York, 1945

Callahan fue importante para el desarrollo de la fotografía como forma de arte; su trabajo desafió el pensamiento establecido. No le interesaban las imágenes vaporosas, los retratos cursis o las instantáneas sentimentales. Experimentó con imágenes (primeros planos, ángulos inusuales, figuras borrosas) y formatos de película, desde el formato de 35 mm hasta el de 8 x 10 pulgadas. Callahan a veces hacía múltiples exposiciones mientras la película todavía estaba en la cámara. Él abstrajo las imágenes, o las hizo parecer más patrones que objetos reconocibles, capturando juegos de luces y sombras. Su esposa Eleanor, y más tarde su hija Barbara, fueron a menudo sujetos de su trabajo.

Chicago, 1950

Mira esta fotografía de Eleanor. Ella está de pie frente a un complejo de fábrica, una figura oscura sobre un fondo claro. No posa, no sonríe, simplemente está ahí, con los brazos ligeramente doblados. Los mechones de su cabello arrastrados por el viento añaden un toque de movimiento contra las líneas verticales de la fábrica.

Ahora, vea cómo Callahan usa nuevamente la luz y la oscuridad en Chicago, 1950 . Un paisaje invernal se convierte en un juego de contrastes casi abstracto: las crudas horizontales blancas de la nieve y el lago atravesado por las fuertes verticales de los árboles, que se han convertido en siluetas. Ambas imágenes son arte en sus propios términos y no solo imágenes de un tema. Como comentó Callahan en 1964, “… la cámara puede escribir poesía”.

Callahan se desempeñó como jefe del departamento de fotografía en Chicago desde 1949 hasta 1961, cuando fue a la Escuela de Diseño de Rhode Island para establecer su departamento de fotografía.

Años despues

Callahan se retiró de todos los deberes docentes en 1977, lo que le dio más tiempo para concentrarse en su propio trabajo. Desde principios de la década de 1970, había experimentado con películas de colores y, finalmente, abandonó por completo el blanco y negro. En 1978, fue el primer fotógrafo elegido para representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia.

En 1983, él y Eleanor se mudaron a Georgia, donde cambió su enfoque a las escenas de playa y océano. Callahan recibió la Medalla Nacional de las Artes en 1996. Continuó trabajando y exhibiendo en museos y galerías de todo el país.

Callahan murió en Atlanta en 1999.

Resumen de la lección

Mientras trabajaba en Chrysler, Harry Callahan tomó una cámara y encontró una carrera. A través del contacto con fotógrafos como Ansel Adams y Laszlo Moholy-Nagy, aprendió a tomar fotografías que iban más allá de solo documentar personas o lugares. Con su esposa Eleanor como uno de sus temas principales, experimentó con una variedad de formatos de película, imágenes de gran contraste y múltiples exposiciones, mientras continuaba su trabajo con estándares exigentes. En sus exploraciones de temas cotidianos, combinados con una visión modernista de la fotografía como una forma de arte única, Callahan creó imágenes convincentes del mundo que lo rodeaba.