¿Qué es el arte pop? – Definición, Movimiento y Artistas

Antecedentes y definición

El arte pop se hizo más famoso en los Estados Unidos, pero en realidad tiene sus raíces en el Reino Unido en la década de 1950. Después de la Segunda Guerra Mundial, Gran Bretaña disfrutó de un período inusual de prosperidad económica con más y más personas con cantidades significativas de ingresos disponibles. Esto combinado con la infraestructura masiva de fábricas y medios de comunicación generados durante la guerra creó una explosión de bienes de consumo y publicidad para promoverlos. Las casas de las personas casi se convirtieron en santuarios de la productividad de la posguerra, y el estatus social se conectó aún más con las cosas que poseías y mostrabas para que otros las vieran.

Más tarde, en la década de 1960, esta nueva obsesión por los bienes materiales y la publicidad alcanzó su punto máximo en los Estados Unidos, ya que comenzó a glorificar la cultura popular mientras la criticaba. Los anuncios, las tiras cómicas, las etiquetas de los supermercados, incluso las celebridades de la televisión y el cine constituyen el tema del Pop Art. La exploración ingeniosa e irónica de estas partes de la cultura visual contribuyó al éxito y la longevidad del movimiento con su estilo y trabajo icónicos que siguen siendo una parte reconocible de nuestra vida diaria. En pocas palabras, el arte pop es un arte sobre la vida cotidiana en este nuevo mundo impulsado por los consumidores.

Orígenes británicos

Uno de los primeros protagonistas de este movimiento es Richard Hamilton , un artista del Reino Unido. Su pieza ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? de 1955 es posiblemente una de las primeras piezas del arte pop.

Incluso el nombre del movimiento proviene del crítico de arte Lawrence Alloway que se refiere a él como ‘arte pop’ debido a las grandes características de la pieza de Tootsie Pop Hamilton. La pieza es un collage hecho a partir de anuncios y tal que refleja el caos visual de la época en un tono serio. Las figuras masculinas y femeninas están destinadas a recordar la historia de Adán y Eva y su caída del Jardín del Edén. Habiendo perdido el paraíso, intentan recrearlo con los numerosos bienes de consumo que exhiben en su hogar. ‘Adam’ aparece como un fisicoculturista demasiado aficionado que hace una pose mientras que ‘Eve’ posa en el sofá, en topless. Ninguno de los dos se presta atención ni a su hogar, lo que muestra la visión crítica de Hamilton de esta nueva forma de vida. Puede ser una imagen absurda, pero ese absurdo es intencional y está destinado a hacerte cuestionar las cosas.

Gráficos estadounidenses limpios

Mientras que el trabajo de Hamilton en el Reino Unido cuestiona los valores sociales de su tiempo, los artistas pop en los EE. UU. En la década de 1960 adoptan un enfoque decididamente diferente. Estos artistas crearon un estilo visual mucho más refinado y elegante que reflejaba directamente las tendencias de la publicidad en ese momento. Las imágenes son menos discordantes y más reconfortantes para el espectador cotidiano. Es este lenguaje visual accesible utilizado por artistas como Roy Lichtenstein lo que llevó al Pop Art a conquistar Estados Unidos. Su trabajo tomó algo que todos los estadounidenses conocían, el cómic / tira, y lo convirtió en gigantescas obras pintadas a mano. Incluso toma la técnica de Benday Dots utilizada en la impresión comercial, los diminutos puntos de color sólido que dan la ilusión de colores sombreados y mezclados, y los recrea a mano.

Al mirar piezas como Oh, Jeff … También te amo … Pero … (1964) y Hopeless (1963), vemos que Lichtenstein se concentra en una sola celda del cómic, a menudo presentando fuertes emociones en los personajes. De alguna manera, su trabajo nos lleva a considerar el valor de la cultura al sacar estas escenas de contexto y glorificarlas. Las emociones en las dos obras anteriores pueden parecer triviales para las obras de arte, especialmente en tal escala. Pero, también toma eventos con los que todos podemos relacionarnos y los convierte en el foco del trabajo; no una historia épica milenaria de dioses y hombres, sino nuestra propia vida cotidiana explotada y lanzada al lienzo.

Esta idea de obra de arte monumental centrada en la vida cotidiana también se puede ver en la obra de Claes Oldenburg , el escultor icónico que creó obras como Lipstick (Ascending) en Caterpillar Tracks .

La escultura muestra un tubo gigantesco de lápiz labial rojo colocado sobre un par de pistas como las que se usan en vehículos de construcción y tanques, creando una disonancia y tensión que lleva el tono de seriedad característico del Pop Art mezclado con humor y absurdo. Obras como esta realmente llegan al corazón del Pop Art: tomar partes reconocibles de la vida cotidiana estadounidense y convertirlas en lo que se consideraría arte elevado.

El consumismo como rey

Hay un artista sobre todos los demás que logró hacer esto: Andy Warhol . Para muchos, es el Artista Pop. Warhol creció increíblemente pobre en la ciudad industrial de Pittsburgh. Cuando era joven, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó su carrera como ilustrador comercial. Aunque fue lento para comenzar, tuvo un gran éxito y usó su nueva riqueza para crear el tipo de arte que usamos para definir visualmente el arte pop. El tema de su arte, como se ve en obras como Campbell’s Soup I y Heinz Tomato Ketchup , gira en torno a los bienes de consumo producidos en masa.

Los supermercados y los alimentos económicos disponibles en el interior asombraron a Warhol y los vio como representantes de la igualdad democrática. El crítico Alastair Sooke recuerda que Warhol tenía la gaseosa Coca-Cola muy cerca de su corazón, ya que nadie podía conseguir una botella de Coca-Cola «mejor» que nadie. Tanto usted como el presidente reciben la misma botella de refresco, por lo que un trabajo como Botellas verdes de Coca-Cola tiene un atractivo bastante universal.

No solo hizo arte sobre estas cosas, sino que adoptó el estilo limpio y gráfico de su empaque y publicidad para hacer su trabajo. Incluso utilizó el proceso de serigrafía comercial para crear su trabajo en lugar de pintarlos a mano. Este estilo visual también se ve en sus obras que giran en torno a celebridades como el Marilyn Diptych explorando a la actriz de cine Marilyn Monroe.

Los colores brillantes y chillones recrean el rostro de la estrella de la izquierda como una máscara que tuvo que usar en público y en una película, con el lado derecho de la pieza recordando el medio que la hizo famosa: el cine. Warhol también fue inteligente al capitalizar la familiaridad de estas imágenes y pareció provocar que los medios de comunicación se preguntaran «¿Es esto realmente arte?» Como resultado, su trabajo y el trabajo de otros artistas pop estuvo presente en todos los medios. A medida que estos artistas exploraron los aspectos visuales de la cultura popular, su trabajo se convirtió en parte de esa misma cultura.

Resumen de la lección

El movimiento del arte pop tomó imágenes de nuestra vida cotidiana y las reimaginó como dignas de ser llamadas ‘arte elevado’ y mostrarse como tales. No importa quién fueras, podrías identificarte con estas obras de arte e incluso ver una parte de tu propia vida en exhibición como digna de mención. De esta forma, empoderó tanto al artista como al espectador como protagonista de la obra y de la cultura popular, en general.

Rodrigo Ricardo Editor y fundador