Educación Musical: Beneficios y métodos

¿Qué es la Educación Musical?

La educación musical es un campo que impacta a las personas que buscan enseñar o tener otras carreras como músicos profesionales y a aquellos estudiantes de escuelas donde se ofrece educación musical como curso de estudio. La educación musical puede referirse a la disciplina de formar a futuros profesores de música y músicos profesionales en diversas funciones o enseñar a estudiantes para quienes la música es un medio para su enriquecimiento y disfrute. Este campo incluye la enseñanza de técnicas pedagógicas, la instrucción vocal e instrumental y el estudio de la historia de la música.

Los objetivos de la educación musical son variados y a menudo se superponen. Además de la preparación de los futuros profesores de música, pueden incluir lo siguiente:

• Fomentar la conciencia y las aspiraciones artísticas y culturales.
• Proporcionar a los estudiantes los muchos beneficios cognitivos y sociales adicionales que el estudio de la música puede ofrecer.
• contribuyendo a la investigación sobre la historia de la música
• promover la diversidad y la comprensión de los demás

Además de las escuelas de música formales y los programas de música dentro de las instituciones postsecundarias, la educación musical también ocurre en otros entornos. Estos incluyen programas de música que algunas escuelas públicas tienen la suerte de ofrecer, los estudios personales de profesores de música individuales y, en algunos casos, los hogares de los estudiantes donde los profesores dan lecciones privadas. A menudo, en los ensayos para conjuntos profesionales y no profesionales, como coros, bandas comunitarias y orquestas, se brinda educación musical informal a los miembros del grupo. Esto puede tomar la forma de consejos sobre técnica vocal, formas de practicar el material e información sobre la historia de las piezas que los grupos están preparando.

La formalización de la educación musical en los Estados Unidos tiene sus raíces en el siglo XVIII, cuando se estableció la primera escuela de canto en Boston en 1717. Esto fue motivado en gran medida por un sermón del reverendo Thomas Symmes que animaba a mejorar el canto y la musicalidad en las iglesias. El primer libro de música del país fue creado por otro clérigo, el reverendo Tufts, y se centró en el canto de los salmos. A medida que las escuelas de canto se expandieron al resto de las colonias, el enfoque incluyó libros de melodías más seculares.

En 1832, se creó la Academia de Música de Boston para enseñar música y teoría y preparar a los futuros profesores. En 1837, el Comité Escolar de Boston aprobó la enseñanza de música en las escuelas públicas, iniciando este aspecto vital de la educación musical y proporcionando un modelo para programas en otros lugares. A mediados del siglo XIX, se establecieron las primeras escuelas de música postsecundarias en los conservatorios de Oberlin y Peabody.

A principios del siglo XX surgieron escuelas de enseñanza con programas de música de cuatro años; Una vez más, Oberlin College abrió el camino y ofreció la primera Licenciatura en Educación Musical. En la década de 1930, se establecieron organizaciones profesionales y conferencias para educadores musicales. En ese momento, hubo un crecimiento en los programas de bandas y orquestas escolares y un aumento en la publicación de libros de métodos musicales. El Fondo Nacional de las Artes se creó en 1965 y brinda un apoyo financiero fundamental a las artes escénicas, incluida la música. En 1967, el Simposio de Tanglewood inició la primera filosofía unificada de la educación musical. En 1990, el Simposio Multicultural en Educación Musical reconoció la diversidad en las escuelas públicas estadounidenses. Comenzó a abordar formas de reconocer esto y cambiar las ofertas y los entornos de aprendizaje que ofrecían las escuelas. En 1994 se establecieron más normas y estándares con los Estándares Nacionales para la Educación Musical. En 2007, Tanglewood II se reunió para reflexionar sobre los 40 años anteriores y mirar hacia el futuro de la educación musical.

Métodos de educación musical

Existen varios tipos de métodos de educación musical dirigidos a jóvenes y adultos que pueden o no estar encaminados a una carrera musical. Algunos de estos tienen características comunes, como incorporar movimiento a la música o utilizar el solfeo, combinando señales con las manos con vocalización de pasos en una escala. Aún así, todos son únicos en sus orígenes y organización final. Los principales son los métodos de educación musical de Delcroze, Kodály, Orff y Suzuki.

Método de educación musical Dalcroze

El método Dalcroze fue desarrollado a principios del siglo XX por un músico suizo llamado Emíle Jacque-Dalcroze. Basó su metodología en el concepto de que los estudiantes deben aprender música temprano e incluir un elemento de movimiento o cinestésico. Dalcroze creía que era necesario entrenar adecuadamente el cuerpo antes de poder dominar un instrumento. Si bien algunos estudiantes del método Dalcroze han tenido profesiones en la música, la formación tiene otros objetivos.

La Dalcroze Society of America describe la educación Dalcroze como “el aprendizaje, la enseñanza, el conocimiento, la expresión y el sentimiento de la música” a través de actividades de movimiento que son “divertidas, decididas y dinámicas”.

Método de educación musical Kodály

El Instituto Kodály forma profesionales para que se conviertan en profesores de música utilizando la filosofía y metodología del músico húngaro Zoltan Kodály (1882-1967). El Método Kodály utiliza la voz como instrumento para enseñar a todos los estudiantes independientemente de sus instrumentos principales en otros contextos.

El método musical Kodály ve la música como un lenguaje que se puede enseñar y aprender de forma secuencial y metódica. Primero se enseña a los estudiantes a cantar en sintonía y combinarlo con movimientos simples. Posteriormente, el método Kodály enseña el solfeo, una técnica que combina señales con las manos con vocalización de pasos en una escala.

Método de educación musical de Orff Schulwerk

El Método de Educación Musical Orff Schulwerk se basa en las enseñanzas de Carl Orff y centra su enfoque en la filosofía de que los niños necesitan jugar para aprender, ya que es una modalidad natural para ellos. Al igual que otros métodos de educación musical, los estudiantes utilizan el movimiento y sus voces para crear e interpretar canciones, bailes y composiciones.

La metodología Orff ve el ritmo como una expresión natural del cuerpo humano, lo que resulta valioso como herramienta para el aprendizaje musical. El proceso de Orff, por tanto, se distingue por enseñar a sus alumnos a utilizar instrumentos de percusión. Al igual que el método Kodály, el método Orff también se basa en métodos de enseñanza sistémicos, dividiendo canciones y otras lecciones en pequeñas partes que pueden aprenderse e incorporarse rápidamente a la experiencia y el repertorio musical del estudiante. Sin embargo, la oportunidad de tocar varios instrumentos de percusión desde el inicio del entrenamiento es exclusiva del método Orff.

Método de educación musical Suzuki

El Método de Educación Musical Suzuki fue desarrollado por Shinichi Suzuki, un músico japonés que creó una metodología musical llamada Educación del Talento después de la Segunda Guerra Mundial. Si bien Suzuki no creía que la música fuera un talento innato, sí creía que se podía enseñar. Su método utilizó lo que él llamó el “enfoque de la lengua materna”.

Así como un niño aprende un idioma, su lengua materna, en casa de la mano de sus padres, Suzuki pensó que los estudiantes podían aprender música, otro idioma. Con el Método Suzuki, los padres asisten a clases con los estudiantes para que puedan convertirse en “maestros orientadores” de sus hijos entre lecciones. Algunos padres aprenden el instrumento antes que sus hijos, lo que les ayuda a enseñar y saber qué esperar de las lecciones. El método Suzuki tiene clases progresivas en varios instrumentos y las lecciones se basan en la edad y la capacidad. Así como los niños aprenden a leer su idioma después de hablar, los estudiantes aprenden a leer música más adelante en sus estudios, después de dominar sus instrumentos.

Los instrumentos que se ofrecen en el método Suzuki incluyen:

• Acordeón
• Bajo
• Latón
• Violonchelo
• Flauta
• Guitarra
• Arpa
• Organo
• Piano
• Grabadora
• Viola
• Violín
• Voz

Beneficios de la educación musical

Más allá de la formación de futuros educadores musicales y la enseñanza de cómo producir sonidos, es decir, hacer música usando la propia voz u otros instrumentos, la educación musical beneficia la experiencia de un individuo en más de una manera. Aprender e interpretar música puede ocurrir en varios contextos a lo largo de la vida. Por lo tanto, los beneficios potenciales adoptan innumerables formas.

Los beneficios físicos resultan del entrenamiento mismo. Las habilidades motoras finas a menudo aumentan a medida que el estudiante usa su cuerpo y, en algunos casos, sus manos y dedos para aprender e interpretar música. Estar de pie para cantar, usar la respiración o sostener instrumentos ayuda a desarrollar fuerza y ​​resistencia en general.

Al ser la música un proceso cognitivo que requiere planificación y organización, puede incrementar:

• habilidades de funcionamiento ejecutivo
• Mejor toma de decisiones incluso cuando se realizan múltiples tareas.
• capacidad de centrarse en los detalles
• Flexibilidad, la capacidad de cambiar y responder a estímulos y eventos externos.

Algunos beneficios psicológicos de aprender música pueden incluir:

• autoestima positiva
• disminución de la depresión y la ansiedad
• afirmación como miembros de grupos marginados
• aprecio por otras culturas
• aumento de la capacidad de pensamiento crítico
• Habilidades mejoradas con interacciones grupales y entre pares.

Resumen de la lección

La Educación Musical es un campo que tiene como objetivos la enseñanza de la música como carrera profesional y una actividad de enriquecimiento del estudiante con objetivos propios. La creación de escuelas de música comenzó en Boston y se extendió a otras universidades donde se desarrollaron programas educativos y de formación formalizados.

Se encuentran disponibles varios tipos de formación musical, incluidos programas altamente estructurados y especializados. Estos incluyen los métodos de educación musical Dalcroze Society of America, Kodály, Orff Schulwerk y Suzuki. Si bien estos difieren en algunos aspectos específicos, algunos, como Dalcroze, Kodály y Orff, utilizan el movimiento como parte del entrenamiento. La voz es un instrumento en todas estas modalidades; sin embargo, en Kodály, se enfatiza especialmente el canto independientemente de qué otros instrumentos pueda tocar el estudiante o en los que tenga interés. Mientras que Orff y Suzuki ofrecen instrumentos como parte de su formación, Suzuki enseña a los estudiantes a tocar instrumentos individuales complejos. Todas estas metodologías creen que la música es una habilidad que se puede enseñar y que sus caminos ofrecen elementos esenciales para hacer de la música parte de la vida profesional o personal.