Minimalismo en la música: descripción general, historia y compositores

¿Qué es el minimalismo en la música?

Al igual que el minimalismo en la pintura y la escultura, el minimalismo en la música busca reducir la obra a lo esencial. Lo esencial en la música son unas pocas notas y unos pocos instrumentos. Al reducir la música a unos pocos elementos esenciales, los compositores minimalistas pueden hacer que la música sea más accesible para el oyente. En lugar de composiciones complejas y sofisticadas que abruman los sentidos, la construcción de la música minimalista es evidente para el oyente. Pueden escuchar cada nota e instrumento.

La música minimalista repite algunas notas (tan solo dos) a lo largo de la pieza. Estas pocas notas pueden interpretarse como zumbidos largos y prolongados, patrones de notas que se repiten rápidamente o alguna combinación de ambos. La música minimalista convincente utiliza patrones simples que cambian lentamente que cautivan al oyente y le permiten experimentar la música en un nivel visceral.

Historia del minimalismo en la música.

Si bien la música minimalista es un desarrollo relativamente reciente, la noción de minimalismo en las composiciones musicales es bastante antigua. En el siglo XIX, Robert Schumann (1810-1856) abrazó la idea de composiciones extremadamente simples. Su pieza «CARNAVAL, Op. 9» está subtitulada «Pequeñas escenas sobre cuatro notas». La idea de reducir la complejidad de la música también cautivó a Johannes Brahms (1833-1897). Se sabe que creó pequeñas composiciones que consisten en patrones repetidos de dos notas. A principios del siglo XX, Arnold Schoenberg ideó un esquema de composición de 12 tonos. Su teoría le permitió construir piezas muy desarrolladas ateniéndose a un conjunto de frases sencillas.

Al igual que el minimalismo en las artes visuales, la música minimalista se convirtió en un movimiento en la década de 1960. Los compositores buscaban simplificar la música clásica. Razonaron que la densidad y complejidad de las composiciones modernistas hacían que la música fuera inaccesible para los oyentes. El minimalista buscó reducir las composiciones a lo esencial y ralentizar el proceso musical de cambio para que los oyentes pudieran seguirlo. El uso de repeticiones, escalas básicas, armonías simples y un tempo constante hace que lo que sucede en una pieza de música minimalista sea evidente para el oyente.

Una obra de seis horas para piano solo llamada «November», compuesta por Dennis Johnson en 1959, se considera la primera composición genuinamente minimalista. El trabajo revolucionario de Johnson utilizó la repetición de patrones de notas breves, armonía tonal y un ritmo lento de cambio. Otro de los primeros exploradores del minimalismo fue La Monte Young. Su primera obra minimalista, «1960 No. 7», consta de sólo dos notas marcadas «para ser sostenidas por mucho tiempo». En 1964 compuso «La tortuga, sus sueños y viajes». La pieza estaba formada por varios vocalistas y músicos que subían al escenario e interpretaban varias frases armónicas sobre un sintetizador constante.

Quizás la primera pieza de música minimalista que alcanzó cierta fama sea «In C» de Terry Riley. En la composición de 1964, Riley utilizó una cinta de audio en bucle para proporcionar una nota C que se repetía rápidamente. La pieza puede ser interpretada por músicos que reproducen repetidamente una serie de breves frases musicales sobre la cinta. La superposición de una armonía simple por numerosos instrumentos crea una construcción de múltiples capas que es minimalismo clásico y fascinante para los oyentes. La simplicidad de la pieza elimina la distinción entre profesional y aficionado y expone el proceso de creación musical.

En 1965, el crítico de arte Richard Wollheim aplicó el nombre de «arte minimalista» a obras que reducían la expresión artística a sus componentes fundamentales. El arte minimalista fue la antítesis del modernismo y el expresionismo abstracto. No fue creado para expresar emociones o el estado mental del creador. El arte minimalista eliminó toda decoración superflua y proporcionó al espectador u oyente formas, figuras y patrones simples que podían identificar rápidamente.

A mediados de la década de 1970, la música minimalista había alcanzado un estatus generalizado en la música clásica y rock experimental. La música con estructuras minimalistas y armonías simplificadas dispuestas en patrones seriales repetitivos se volvió abundante en la música contemporánea. Agregar la instrumentación de la música popular y otras tecnologías modernas contribuyó al progreso del minimalismo en la música.

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Características de la música minimalista

Originalmente una forma de música clásica, el minimalismo (a veces denominado música de proceso ) buscaba hacer evidente el proceso de creación de música. Los primeros compositores minimalistas utilizaron instrumentación mínima y melodías simples para lograr ese objetivo. Con el tiempo, el estilo minimalista ha evolucionado hasta presentar elaborados arreglos que mantienen estructuras musicales mínimas. Ya sea que la instrumentación sea espartana u opulenta, las composiciones minimalistas comparten algunas características clave.

• Patrones musicales simples : las composiciones utilizan algunas notas dispuestas en patrones breves para formar melodías o frases simples.
• Repetición : Las frases musicales (o células) se repiten a lo largo de la pieza. El término técnico para esta técnica es «ostinati».
• Armonías consonánticas: combinaciones de tonos que forman un sonido agradable.
• Formaciones armónicas estáticas o graduales: un ritmo constante en el que se producen pequeños cambios a intervalos regulares.
• Énfasis en el timbre: Un enfoque en la calidad o voz de cada instrumento.
• Cambio gradual : la pieza avanza en cambios sutiles de notas, tonalidades o tiempo.
• Superposición : dos o más instrumentos que tocan un patrón musical simultáneamente para crear armonía.
• Música de fase : técnica que consiste en tocar una frase o celda en un momento ligeramente diferente (o fuera de fase) con otros instrumentos. Al mantener el cambio de tiempo, el patrón se realineará después de varias repeticiones.

Por supuesto, no todas las piezas de música minimalista emplean todas estas características. Los compositores los incorporan en varias combinaciones para lograr algún efecto.

Destacados compositores minimalistas

Desde la llegada del minimalismo en la década de 1960, el movimiento ha producido muchos compositores notables. Estos individuos han redefinido la música clásica. Al incorporar instrumentos, tecnología y técnicas modernas, han revolucionado la música en todo el mundo.

Phillip Glass es el compositor minimalista más conocido y de mayor éxito comercial. Como uno de los primeros compositores minimalistas, Glass alcanzó notoriedad por primera vez cuando colaboró ​​con Robert Wilson para escribir la ópera aclamada por la crítica Einstein on the Beach en 1976. Como compositor clásico, se centra en sinfonías, conciertos y música de cámara. También ha escrito partituras para ballets y varias películas. Glass compone obras complejas con capas únicas que crean un sonido rico y atmosférico.

Las obras notables de Phillip Glass incluyen:

• “Metamorfosis” del disco Solo Piano (1976). Una colección de siete composiciones para piano interpretadas por Glass.
• «Concierto para violín n.º 1» (1987). El concierto para violín en tres movimientos es una de las obras más famosas de Glass.
• «Fachadas», «Apertura» y «Cierre» del álbum Glassworks (1982). Una obra para orquesta de cámara en seis movimientos.
• «Música en 12 Partes» (1974). Una colección de doce composiciones para conjunto.

Steve Reich se licenció en Filosofía en 1957. Esto fue antes de asistir a la escuela de música. Quizás este trasfondo inspiró su noción de la música de proceso, de que componer y tocar música es lo mismo. A Reich se le atribuye la normalización de la práctica de utilizar bucles de cintas de audio como material fuente para composiciones clásicas en la década de 1960. También se le atribuye el desarrollo de la música de fase en la década de 1960.

Las obras notables de Steve Reich incluyen:

• «Va a llover» (1965). Introduce las técnicas de loops de cinta y música de fase.
• «Fase de piano» (1967). Composición de piano por fases.
• “Diferentes Trenes” (1988). Composición por fases para cuarteto y pistas vocales en bucle.
• «Reescritura de radio» (2012). Reich utiliza dos canciones de la banda de rock Radiohead como material fuente para una composición para un conjunto clásico.

Meredith Monk es una compositora progresista conocida por sus trabajos interdisciplinarios que combinan música, danza y teatro. Su música utiliza elementos minimalistas de patrones repetidos y drones en combinación con la voz humana en vocalizaciones sin palabras.

Las obras notables de Meredith Monk incluyen:

• «La canción andante» (1997). Del disco Canciones del Volcán. Utilizado en la película de 1998 de los hermanos Coen, El gran Lebowski.
• «Canciones de Ascensión» (2009). Una colección de 21 piezas que combinan instrumentos y voces (como instrumentos).

Influencia de la música minimalista

Las características que definen la música minimalista se han abierto camino en casi todas las formas de música contemporánea y han generado algunos géneros nuevos. Aparecen elementos minimalistas en la música jazz de Miles Davis y John Coltrane. Su música emplea drones con otros instrumentos tocando sobre ellos. También hacen un uso extensivo de patrones de frases repetidas. En 1971, la canción «Baba O’Riley» de la banda de rock The Who rinde homenaje directo al compositor minimalista Terry Riley. En 1977, el compositor minimalista Brian Eno trabajó con David Bowie en el álbum Low, que incorporó elementos minimalistas en todas partes.

En la música popular actual, el minimalismo es un elemento estándar. Hoy en día, artistas como The National, Sufjan Stevens y Bon Iver utilizan drones, capas y frases repetidas. Bandas de post-rock como Godspeed You! Black Emperor y Sunn O))) de doom metal utilizan drones, capas y repetición de frases musicales cortas en la mayor parte de su música. Los géneros modernos, desde el house hasta la música dance inteligente (IDM), utilizan ampliamente bucles, capas y frases repetidas. El minimalismo en la música clásica también continúa evolucionando. Una nueva ola de minimalistas clásicos, incluidos Max Richter, Nils Frahm, William Basinski y John Hayes, continúan ampliando los límites de la música clásica.

Resumen de la lección

El minimalismo en la música es un movimiento que comenzó en la década de 1960. El movimiento fue una reacción contra la densidad y complejidad de las composiciones modernistas. Los compositores minimalistas querían simplificar la música, hacerla más accesible y comprensible para los oyentes. Las composiciones minimalistas utilizan patrones musicales simples de unas pocas notas tocadas por unos pocos instrumentos. La simplicidad de la música minimalista, a veces denominada música de proceso, hace que el proceso creativo sea evidente para los oyentes.

La música minimalista utiliza técnicas como la superposición de un instrumento sobre otro para crear armonía. La repetición de frases musicales cortas (o células) es un elemento esencial de las composiciones minimalistas. El cambio gradual de notas, claves y tiempo proporciona un medio sutil de progresión musical. Los minimalistas desarrollaron la práctica de utilizar cintas de audio en bucle para proporcionar una base repetitiva para las composiciones. La música de fase crea una textura musical adicional al cambiar el tiempo de las capas de una frase musical repetida.

Rodrigo Ricardo Editor y fundador