Henry Moore: escultura, obra de arte y biografía

Henry Moore y el arte en el siglo XX

El siglo XX fue una época difícil para muchos artistas. En 1914, el mundo se vio sumido en el horror de la Primera Guerra Mundial. Una vez que terminó, la gente decidió no volver a caer en la guerra nunca más. Luego, Hitler invadió Polonia en 1939 y la guerra regresó al mundo. Esto terminó con otro voto internacional de prevenir guerras futuras, pero las tensiones sobre el comunismo pronto llevaron al conflicto en Corea y Vietnam. En general, el siglo XX fue duro y dejó a muchos artistas desilusionados con la humanidad. Sus frustraciones se manifestaron en sus obras de arte, muchas de las cuales eran pesimistas y preocupadas. Sin embargo, hubo excepciones a esto. Henry Moore fue un escultor británico cuyas obras comunicaban un suave optimismo y fe en el ser humano. Fue una interpretación diferente de las luchas del siglo XX y una promesa tranquilizadora de la capacidad de la humanidad para perseverar.

Vida temprana

Henry Moore nació en 1898 en Inglaterra. Su padre, que trabajaba como minero de carbón y luego como ingeniero de minas, enfatizó el valor de la educación y estaba decidido a brindar una vida mejor a sus hijos. Esta educación expuso a Henry al mundo del arte, especialmente a las esculturas de Miguel Ángel. Cuando cumplió dieciocho años, Henry se alistó y luchó en la Primera Guerra Mundial, y resultó herido por armas químicas. Después de la guerra, Moore regresó a la escuela de arte y finalmente ingresó en el Royal College of Art de Londres en 1921. Si bien las primeras partes de sus estudios se inspiraron en Miguel Ángel y los humanistas del Renacimiento, esta última parte de su educación fue informado por las colecciones etnográficas de los museos de Londres que lo expusieron a las artes de Mesoamérica y Oceanía. Moore dijo más tarde que los objetos de los museos y las pinturas de las grandes galerías de arte lo impactaron mucho más que cualquier curso académico. A mediados de la década de 1920, estaba estudiando las obras de Miguel Ángel en Italia, mientras también examinaba moldes de estatuas toltecas y mayas en París. Las esculturas mesoamericanas de figuras reclinadas tuvieron una gran influencia en el aspirante a artista. Fuentes no europeas como estas ayudaron a Moore a encontrar una estética optimista alejada del arte puramente occidental.

La década de 1930

A finales de la década de 1920 y principios de la de 1930, Henry Moore comenzó a recibir encargos de esculturas públicas de gran tamaño. Sus primeras obras, como West Wind (1929) o su propia figura reclinada (1929) combinaron la fascinación renacentista con la geometría de la forma humana con la racionalización de las formas que aprendió al estudiar el cubismo y el modernismo, así como con un concepto mesoamericano estético. En este momento, también estuvo expuesto al surrealismo británico y su enfoque en la abstracción como una forma de acceder a la psique humana. El trabajo de Moore de esta época muestra un gran interés en explorar la tridimensionalidad en la escultura.

Figura reclinada temprana de Moore

Segunda Guerra Mundial

Entonces, la guerra golpeó de nuevo. Cuando la Segunda Guerra Mundial trajo bombardeos a Londres, Moore comenzó a grabar imágenes de la vida de la gente en tiempos de guerra. Sus dibujos de la gente de Londres acurrucada en los refugios antiaéreos del metro de Londres todavía se mantienen como algunos de los registros más importantes de la vida británica y reflejan la devoción de Moore por las experiencias humanas reales.

Dibujo en tiempo de guerra de Moore

Después de la guerra

Muchos artistas salieron de la Segunda Guerra Mundial sintiéndose desilusionados con la humanidad y se retiraron de los temas personales y centrados en el ser humano. Moore, sin embargo, vio las cosas de manera diferente. Había visto dos guerras mundiales, tanto destructivas como horribles, y sin embargo, la humanidad había perseverado y reconstruido. A principios del período de la posguerra, comenzó a trabajar más en esculturas de bronce monumentales, utilizando este medio atemporal para comunicar estabilidad, continuidad y fuerza. También vale la pena señalar que muchas de sus esculturas se centraron en las familias en este período de tiempo, en parte debido al nacimiento de su propio hijo. El grupo familiar de 1950 fue uno de los ejemplos más famosos. Con este nuevo enfoque, Moore desarrolló una reputación internacional y comenzó a recibir comisiones de todo el mundo. Al mismo tiempo, su estilo comenzó a cambiar. Si bien sus esculturas anteriores estaban orientadas hacia el frente y enfatizaban el espacio completo, a fines de la década de 1950, puso un enfoque mucho mayor en el espacio negativo. Los resultados se pueden ver en su primera gran comisión internacional, la Figura reclinada de 1958 para el edificio de la UNESCO en París. Si bien el tema era el mismo que en trabajos anteriores, el tratamiento fue muy diferente, con grandes agujeros tallados suavemente a través de una sola pieza de piedra. Estatuas posteriores como esta también tendieron a enfatizar las formas orgánicas, a menudo reflejando el paisaje en el que fueron colocadas. Al final de su vida en 1986, las grandes esculturas públicas de Moore se podían encontrar en las principales ciudades de todo el mundo, desde Chicago hasta Jerusalén y Hong Kong. Si bien nunca dejó de desarrollar su estilo, el tema y el estado de ánimo siguieron siendo los mismos: fuerza atemporal, esperanza y perseverancia. Hasta el día de hoy, sus composiciones geométricas y ligeramente abstractas están consideradas entre las obras más importantes del siglo y han dejado un importante legado en los escultores posteriores. Es sorprendente lo que puede hacer un poco de optimismo.

Resumen de la lección

Henry Moore (1898-1986) fue un escultor y artista británico cuyas obras comunicaron temas de continuidad y optimismo ante las múltiples guerras mundiales. Moore fue influenciado desde el principio por humanistas del Renacimiento como Miguel Ángel, y fue inspirado para siempre por su devoción a la forma humana. Sin embargo, también estuvo fuertemente influenciado por movimientos modernistas como el cubismo y el surrealismo, así como por las artes tradicionales de Mesoamérica. El trabajo anterior de Moore era más completo, centrándose en la estabilidad, mientras que sus esculturas posteriores a la Segunda Guerra Mundial tendían a ser más abstractas y tridimensionales. Sin embargo, muchos de sus temas se mantuvieron igual, y es particularmente recordado por su motivo de figuras reclinadas, algo tomado de la antigüedad italiana y maya. Henry Moore es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Conectando el arte moderno con las tradiciones antiguas y permaneciendo dedicados a la humanidad que todos llevamos dentro a pesar de los horrores de la guerra. Fue un siglo difícil para muchos artistas, pero Henry Moore y sus esculturas perseveraron.

Rodrigo Ricardo Editor y fundador