Historia de la escultura: medieval, renacentista, barroca y rococó

Publicado el 10 octubre, 2021

Escultura medieval

Oye. Me llamo Rocky y soy su guía a través de la historia de la escultura. ¿Qué? ¿Nunca has visto una estatua parlante antes? Será mejor que se acostumbre a mí porque tenemos mucho terreno por recorrer. En esta lección, hablaremos de la escultura medieval, renacentista, barroca y rococó. Sin embargo, antes de comenzar, definamos rápidamente la escultura . Realmente es solo arte tridimensional. Parte de ella aparece redonda, es decir, independiente. Otras piezas están en relieve, lo que significa que se destacan de una superficie base, como una imagen en 3D.

¿Todo claro? Entonces pasemos directamente a la escultura medieval. El cristianismo fue la fuerza impulsora en la Europa medieval, y también fue la fuerza impulsora de la escultura medieval. La escultura era bastante rara en el período medieval temprano, y los ejemplos que tenemos de esa época son principalmente elementos utilizados para el culto religioso, como altares y cálices. Los escultores del mundo medieval temprano también disfrutaron usando marfil delicado para crear pequeñas estatuas intrincadas de Jesús, la Santísima Virgen María y santos cristianos, así como relieves para altares.

Alrededor del año 1000 d.C., sin embargo, surgió un nuevo estilo de escultura. La escultura románica era audaz y grande. Los escultores intentaron copiar obras romanas antiguas y, al hacerlo, incorporaron elementos romanos como arcos de medio punto y columnas. Las figuras tendían a ser bastante abstractas, angulares, desproporcionadas y, a veces, incluso bastante grotescas, ya que la imaginación de los escultores se desbocó a través de las interpretaciones de escenas bíblicas. El tímpano, un relieve semicircular que se encuentra a menudo en las entradas, fue un tipo de escultura popular en este período.

Aproximadamente en 1200 d.C., otro nuevo estilo escultórico apareció en el horizonte. El estilo gótico intentó remontarse a los cielos a través de las torres y vidrieras de las grandes catedrales. Estos magníficos edificios fueron decorados generosamente con estatuas de santos y figuras bíblicas que adquirieron una apariencia muy real. Los escultores góticos intentaron capturar expresiones, poses y proporciones realistas, y crearon figuras con líneas verticales largas y delgadas que atrajeron la mirada hacia arriba e intentaron enseñar la belleza y la maravilla del cristianismo en lo que los historiadores del arte llaman ‘sermones de piedra’.

Escultura renacentista

Será mejor que sigamos avanzando. Tenemos mucho terreno por recorrer, y es hora de hablar sobre la escultura renacentista (c. 1400-1600 d.C.). La palabra ‘renacimiento’ significa ‘renacimiento’ y, de hecho, la era se trataba de redescubrir el arte clásico del mundo antiguo y darle un nuevo nacimiento. Siguiendo sus modelos antiguos, los escultores renacentistas se esforzaron por lograr armonía, equilibrio, moderación y realismo en sus obras. Estudiaron cuidadosamente el cuerpo humano y trataron de representarlo en todo su esplendor natural e individual.

La escultura alcanzó un punto culminante durante el Renacimiento cuando artistas como Donatello, Lorenzo Ghiberti y Miguel Ángel crearon obras famosas como el David de bronce de Donatello , las Puertas del Baptisterio de Ghiberti en Florencia y el David y la Piedad de mármol de Miguel Ángel , en los que la Santísima Virgen María sostiene a los muertos. Jesús tiernamente en sus brazos.

La mayor parte de la escultura renacentista seguía siendo religiosa en su temática. Las iglesias estaban llenas de tabernáculos, púlpitos, tumbas, altares, pilas bautismales y estatuas elaboradamente tallados. Sin embargo, a medida que aprendieron más sobre el arte clásico, los escultores también trabajaron en formas del pasado pagano, incluidas estatuas ecuestres (caballos y jinetes), bustos de retratos y desnudos masculinos. Además, el arte ya no era solo para las iglesias. La era del Renacimiento trajo el arte a los hogares de las personas, especialmente a las personas adineradas que podían permitirse el lujo de contratar artistas para que crearan decoraciones para sus nichos, paredes, techos, chimeneas y fuentes, y para conmemorar sus rostros en piedra o metal.

A medida que avanzó el Renacimiento hasta el siglo XVI, los estilos escultóricos cambiaron un poco. Las líneas se hicieron aún más largas, las posturas más complicadas y los diseños más elaborados. Los escultores jugaron con la anatomía de sus sujetos, alargando sus extremidades y haciendo más definidos sus músculos. La complejidad fue clave, y la elegancia y el estilo comenzaron a primar sobre el realismo. Esta nueva moda se conoció como manierismo .

Escultura barroca

Sería fácil perderse para siempre en las maravillas del Renacimiento, ¿no? Pero es hora de hacer la transición a la era barroca . Los escultores barrocos del siglo XVII reaccionaron contra las tendencias del manierismo para recuperar el realismo en sus obras. Las esculturas barrocas tenían tres características principales. Primero, los artistas se esforzaron por lograr la perfección técnica. Querían que sus trabajos fueran lo más detallados y reales posible, hasta las texturas de las telas y armaduras, la apariencia natural del cabello y las características de la piel humana según el sexo y la edad.

En segundo lugar, los escultores querían dar a sus obras una sensación de dinamismo o energía. Parece que las figuras barrocas podrían saltar de sus pedestales en cualquier momento y reanudar el movimiento que habían suspendido para permitir que el artista las capture. En tercer lugar, los artistas barrocos agregaron elementos dramáticos y extravagantes a sus piezas, incluidos dorados brillantes, decoraciones ricas y líneas serpenteantes en remolino. El escultor barroco más famoso fue Gian Lorenzo Bernini, y sus esculturas Apolo y Dafne y el Éxtasis de Santa Teresa personifican el estilo barroco.

Escultura rococó

A medida que el siglo XVII se trasladó al siglo XVIII, el estilo rococó se hizo popular, primero en el diseño de interiores y decoración y luego en otras formas de arte, incluida la escultura. Los escultores rococó valoraban la delicadeza, la gracia, la asimetría, las curvas, los colores claros, los ornamentos elaborados y los temas alegres y divertidos. A menudo desdeñaban los materiales pesados ​​en favor de la porcelana frágil. Jean Baptiste Pigalle y Étienne Maurice Falconet son los escultores rococó más conocidos. Cupido sentado y Pigmalión de Falconet y Amor y amistad de Galatea y Pigalle exhiben la esencia del estilo rococó.

Resumen de la lección

¡Uf! Hemos recorrido un largo camino, ¿no es así? Dediquemos un momento a repasar esta historia de la escultura . El cristianismo fue la fuerza impulsora de la escultura medieval. La escultura románica , que se desarrolló alrededor del año 1000 d.C., era audaz y grande. Incorporaba elementos romanos como arcos de medio punto y columnas, y sus figuras tendían a ser más bien abstractas, angulares, desproporcionadas y, a veces, incluso bastante grotescas. Por otro lado, la escultura gótica , que fue popular después de aproximadamente 1200 d.C., intentó elevarse a los cielos. Los escultores góticos intentaron capturar expresiones, poses y proporciones realistas en figuras con líneas verticales largas y delgadas.

La escultura renacentista (c. 1400-1600 d.C.) redescubrió el arte clásico del mundo antiguo y se esforzó por lograr armonía, equilibrio, moderación y realismo. Escultores renacentistas como Donatello, Lorenzo Ghiberti y Miguel Ángel estudiaron cuidadosamente el cuerpo humano y trataron de representarlo en todo su esplendor natural e individual. Aunque la escultura renacentista todavía tenía un tema en gran parte cristiano, las formas antiguas como las estatuas ecuestres (de caballos y jinetes), los bustos de retratos y los desnudos masculinos también eran populares. A finales del Renacimiento, el manierismo se centró en la complejidad y dio prioridad a la elegancia y el estilo sobre el realismo.

La escultura barroca del siglo XVII tenía que ver con la perfección técnica, el dinamismo y los elementos dramáticos y extravagantes. Las esculturas Apolo y Dafne de Gian Lorenzo Bernini y el Éxtasis de Santa Teresa personifican el estilo barroco. La escultura rococó del siglo XVIII se centró en la delicadeza, la gracia, la asimetría, las curvas, los colores claros, los ornamentos elaborados y los temas divertidos y alegres. Escultores como Jean-Baptiste Pigalle y Étienne Maurice Falconet trabajaron a menudo en porcelana.

Espero que hayas disfrutado de nuestro viaje a través de más de 900 años de historia de la escultura. Este es Rocky, la estatua parlante, despidiéndose. ¡Nos vemos pronto!

Los resultados del aprendizaje

Una vez que haya terminado esta lección, debería poder:

  • Recordemos la influencia que el cristianismo ha tenido en la escultura a lo largo de la historia.
  • Nombra los dos tipos de escultura medieval.
  • Describir el giro del Renacimiento hacia el manierismo.
  • Enumere las tres características de la escultura barroca
  • Resumir el estilo escultórico del período rococó
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