El auge de la polifonía renacentista: Dufay, des Prez y Palestrina

¿Qué es la polifonía?

¡Oye! ¡Me gusta tu camisa! Apuesto a que va muy bien con tus pantalones, aunque sean de otro color o material. ¿No es agradable cómo tenemos opciones de colores y materiales para usar? Esto es muy similar al concepto de polifonía. La polifonía es cuando se tocan dos o más melodías independientes al mismo tiempo. Entonces, en lugar de que todos canten lo mismo, hay armonía. Por ejemplo, si tú y yo cantamos la misma canción, es posible que tengamos partes diferentes, pero la combinación de nuestros ritmos y tonos se contraponen para crear una música hermosa y entrelazada, como esta. Durante el período del Renacimiento de la música, aproximadamente 1450-1600, la polifonía se utilizó ampliamente. Esto contrastaba con los estilos musicales anteriores de la Edad Media, que a menudo consistían en una sola línea de música cantada por todos con poca variación. Eso sería como si todos tuviéramos que usar monos negros, ¡qué aburrido! Compositores renacentistas, como Guillaume Dufay, Josquin des Prez y Giovanni Pierluigi da Palestrina, optaron por la elección del color y la textura, por lo que la polifonía era una de las texturas musicales más comunes que se escuchaban en ese momento.

Polifonía en el Renacimiento

Aunque la polifonía no era una idea nueva en el período del Renacimiento, los compositores del período hicieron algunos desarrollos importantes. Este nuevo enfoque en la polifonía fue impulsado en parte por la concentración del período en la cultura antigua griega y romana, donde la música se valoraba como una entidad emocionalmente poderosa, capaz de mover el alma. Ciertos líderes religiosos pensaron que esta sería una excelente herramienta para llevar a casa la gloria de Dios, a diferencia de la música típica de la época. Los líderes más conservadores no estaban tan convencidos y se aseguraron de que la polifonía que se estaba escribiendo fuera lo que consideraban apropiado. Estos eventos resultaron ser algunos de los factores más significativos en el futuro de la música polifónica, estimulando a los compositores a crear nuevas técnicas e ideas que influirían en los compositores de las generaciones futuras.

Cambios estilísticos en la polifonía

Al comienzo del período, los compositores comenzaron a escribir música que se diferenciaba específicamente de los compositores medievales. Gran parte de este cambio estilístico implicó el uso de diferentes tipos de polifonía que antes eran populares. Los compositores más modernos optaron por enfatizar la misma importancia de las voces, en lugar de centrarse en una sola voz con partes acompañantes. Había material melódico y rítmico diverso para cada parte, textura de cuatro partes escribiendo para partes vocales adicionales y uso de imitación musical de nuevas formas.

Cuatro voces iguales

Examinemos estas ideas más de cerca. Comenzaremos con los avances realizados relacionados con el canto. El Renacimiento se considera la ‘época dorada del canto’, por lo que muchos de los desarrollos se realizaron en piezas corales. En primer lugar, los compositores agregaron múltiples partes vocales, y el arreglo típico tenía cuatro partes vocales. Consistía en dos partes cantadas femeninas llamadas soprano y alto y dos partes cantadas masculinas llamadas tenor y bajo. Los arreglos de cinco y seis partes también se hicieron comunes a medida que avanzaba el período. Estas nuevas gamas y piezas adicionales permitieron una mayor armonía. Si bien esto puede parecer simple e insignificante, tuvo un gran impacto al mover la música de una armonía de sonido abierto, similar a un canto, a una música más rica, más completa y más expresiva capaz de lograr el movimiento inspirador descrito en los textos griegos y romanos. Además, la igual importancia de todas las voces hizo que hubiera más variedad y capas, o posibilidades de textura, a diferencia de la única línea importante. Esto llevó a un mayor cambio en la cantidad de voces que se escuchan al mismo tiempo, incluido el cambio de texturas dentro de una canción. La variación de texturas también dio una especie de efecto musical especial a veces, por ejemplo, cuando se usa para enfatizar palabras importantes de la masa al usar todas las voces para que parezca más grande.

Contrapunto

La independencia de las voces permitió cantar ritmos y melodías más diversos al mismo tiempo. Entonces, al igual que puede que no esté usando el mismo atuendo que alguien sentado a su lado, en contrapunto, probablemente no estaría cantando los mismos ritmos o tonos que la persona que está a su lado. Una forma de lograr esto fue a través de una técnica de composición llamada contrapunto. La técnica del contrapuntoes escribir melodías simultáneas y entrelazadas. En contrapunto, cada melodía es independiente, pero juntas crean armonía. La música que tiene esta cualidad se llama contrapunto. Vea si puede identificar las cuatro partes de la voz en este ejemplo de contrapunto. Hay reglas muy específicas sobre qué notas se pueden usar, cuándo y cómo, pero son bastante complicadas y no vale la pena aprenderlas a menos que planees escribir música en este estilo.

Polifonía imitativa

Por último, el uso de la imitación musical fue ampliamente utilizado de muchas formas. La polifonía imitativa se refiere al uso de entradas con eco, similar a una ronda. Esto podría ser como cuando usas una camisa en particular y, al día siguiente, tu amigo usa la misma camisa, pero en un color diferente. Es como una ronda y suena como el siguiente ejemplo. Escuche cuatro voces diferentes, todas cantando Ave María .

Contribuciones del compositor

Aunque hubo varios compositores que contribuyeron a los cambios en el sonido polifónico, hay tres compositores que se destacan por su genio y estilo individual: Guillaume Dufay, Josquin des Prez y Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Guillaume Dufay

Tal vez recuerdes que el compositor francés Guillaume Dufay compuso en la primera parte del Renacimiento. Sirvió en el clero como canónigo donde escribió música sacra y secular. Las composiciones de Dufay ejemplifican los cambios en la transición de la polifonía de finales de la Edad Media a principios del Renacimiento. Sus composiciones se consideraron únicas porque mezclaban viejas ideas con la nueva idea de contrapunto. Esto fue evidente al principio de su carrera con su motete, Nuper rosarum flores . Escrito en 1436 para la nueva catedral florentina, el motete combina ideas rítmicas tradicionales con un contrapunto más moderno. Dufay también era conocido por sus misas contrapuntísticas de cuatro partes, particularmente porque algunas de ellas integraban temas seculares en la misa sagrada. Una de sus piezas más famosas, Se La Face Ay Pale , trata sobre el amor no correspondido, pero se utilizó para el escenario de una misa contrapuntística. Puede ser uno de los primeros ejemplos de una misa basada en un tema secular.

Josquin Des Prez

Un compositor que demostró el estilo polifónico de mediados del Renacimiento fue Josquin des Prez. Josquin fue considerado un maestro de la música religiosa por muchos, incluido Martín Lutero, quien lo proclamó como «el maestro de las notas». El compositor flamenco fue el rey de la polifonía imitativa y la variación de textura. Uno de sus motetes más famosos, el Ave María, gratia plena , también utiliza la imitación en pares de voces, donde los pares hacen eco en lugar de los individuos, como se escucha aquí. También en Ave Maria , Josquin utilizó ideas musicales breves, en lugar de ideas musicales más largas de estilo medieval, para dejar espacio a combinaciones más contrapuntísticas de melodía y armonía.

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Cerca del final del período del Renacimiento, el compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina trajo un uso aún mayor de texturas gruesas y diversas melodías y armonías. Aunque similar en técnica, Palestrina abordó sus composiciones de manera un poco diferente a Josquin y Dufay. En un enfoque más conservador, Palestrina se desvió del estilo imitativo para que las palabras de la masa pudieran entenderse mejor. También usó la textura de esta manera, dividiendo un coro de seis partes un poco más grande en grupos pequeños, que solo cantaban juntos para frases particularmente significativas. Sin embargo, la mayor influencia de Palestrina en los futuros compositores puede haber sido su habilidad para escribir contrapunto. Fue un maestro en la creación de belleza, manteniendo una estricta adherencia a las reglas del contrapunto. Al hacer esto, personificó el estilo suave de la polifonía que se convirtió en sinónimo de la música renacentista. Las melodías entrelazadas fluyen sin esfuerzo, mientras evitan instancias inarmónicas que fueron consideradas paso en falso .

Resumen de la lección

En total, los cambios estilísticos realizados en la polifonía durante el Renacimiento permitieron a los compositores experimentar musicalmente, mientras reflejaban sus creencias. Algunos optaron por abrazar el renacimiento griego y romano de la música que llega al alma utilizando el contrapunto y la imitación para llenar la iglesia de sonoridad. Otros optaron por mantenerlo conservador y usaron texturas para enfatizar el texto significativo. La desviación de las formas anteriores de polifonía trajo consigo diversos usos, que inspirarían a los compositores de las generaciones venideras.

Los resultados del aprendizaje

Cuando termine esta lección, debería poder:

• Reconocer algunos de los cambios a la polifonía durante el Renacimiento.
• Examinar el uso de cuatro voces iguales y contrapunto.
• Intercambiar ideas sobre las influencias individuales que Dufay, Des Prez y Palestrina tuvieron sobre la polifonía

Rodrigo Ricardo Editor y fundador