Seguir o cambiar el guión
Seguir con un texto o guión, cambiarlo ligeramente o llevarlo completamente en una nueva dirección puede hacer o deshacer una producción filmada o en vivo. A veces, a nosotros, como miembros del público, nos encanta cuando un director y los actores siguen de cerca un guión o una novela, mientras que otras veces podemos sentir que no cambiarlo ni un poco significaba que carecía de una versión única de un texto antiguo. Para analizar de manera efectiva una producción filmada o en vivo versus un texto, necesitamos comparar y contrastar el texto original con la versión en vivo o filmada mediante:
- Reconocer cómo la producción filmada o en vivo conserva el texto original al notar lo que permanece igual, ya sean líneas específicas de diálogo, escenas, coreografías, vestuario, accesorios o el escenario.
- Observando cómo los actores y / o el director se mantuvieron fieles o se desviaron de los personajes y la trama originales del texto.
- Evaluar si los cambios realizados alteran el mensaje del texto y si los cambios realizados impactan positiva o negativamente a la audiencia y por qué.
Romeo y Julieta
Durante siglos, se han realizado adaptaciones de la obra de William Shakespeare Romeo y Julieta en todo el mundo. En 1996, el director de cine y guionista australiano Baz Luhrmann adaptó la obra de Shakespeare a una versión moderna de su tragedia romántica. Luhrmann hizo algunos cambios audaces, pero también reflejó a Shakespeare de algunas formas interesantes. Shakespeare a menudo incorporó bromas en sus guiones que eran populares en ese momento. También mencionaba a menudo la realeza y hacía referencia a eventos históricos. Del mismo modo, Luhrmann hace referencias a la cultura pop. Analicemos una escena en particular en la que hace esto para analizar realmente las dos versiones.
En el Acto Uno, Escena Uno del texto original de Shakespeare, Sampson y Gregory, que son Capuleto, bromean de un lado a otro. Sampson dice: ‘Un perro de la casa de Montague me mueve’, lo que significa que se le provoca fácilmente a pelear cuando es un Montague porque son enemigos. Aparecen unos tipos de la casa de Montague. Gregory le dice a Sampson: «Dibuja tu herramienta». Sampson responde con «Pelea, te respaldaré». Gregory dice que deberían fruncir el ceño en su dirección, pero Sampson no está de acuerdo y dice: ‘No, como se atreven. Les morderé el pulgar, lo cual es una vergüenza para ellos si lo soportan. Se muerde el pulgar.
ABRAHAM: ¿Nos muerdes el pulgar, señor?
SAMPSON: Me muerdo el pulgar, señor.
ABRAHAM: ¿Nos muerdes el pulgar, señor?
Comienzan a pelear hasta que Benvolio, un amigo pacificador de Montesco y Romeo, aparece. Les dice que levanten sus espadas, pero luego llega Tybalt, un Capuleto, y anima la lucha.
La versión cinematográfica de Lurhmann de esta escena es muy diferente. Benvolio y sus amigos, conocidos como ‘los chicos Montague’, conducen en un descapotable amarillo, riendo a carcajadas, y uno de ellos mira directamente a la cámara y dice: ‘¡Me mueve un perro de la casa de Capuleto!’ Luego van a una gasolinera. Benvolio entra y Tybalt, un capuleto, llega con su amigo. Tybalt entra, pero su amigo y compañero Capuleto mira a los chicos Montague, y los Montague tiemblan de miedo. Se ríe de ellos hasta que uno de los chicos Montague se muerde el pulgar para insultar al hombre Capuleto, y entonces comienza la pelea.
No solo se ha cambiado el texto original de la escena de Shakespeare, sino también la coreografía. Luhrmann decide retratar a los Capuleto como los agresores en esta escena, y los Montesco están al principio temerosos pero se vuelven combativos. Luhrmann usa música popular, trajes modernos, como camisetas hawaianas, y accesorios modernos, como pistolas en lugar de espadas. También utiliza elementos cinematográficos populares, como la inclusión de tomas de acción en cámara lenta y clips de música del Viejo Oeste y tácticas de filmación estilizadas.
Visualmente, la película de Luhrmann está muy lejos de la época isabelina de Shakespeare en el siglo XVII y del escenario de la obra original en Verona, Italia. En cambio, está ambientado en una ciudad en auge con edificios de gran altura que se parece mucho a Miami, pero se llama Verona Beach. Independientemente de quién comience la pelea en la escena inicial, el punto de la escena es el mismo en las versiones de Shakespeare y Luhrmann. Muestra que estos dos bandos, que actúan como pandillas, están en guerra entre sí, y que este antiguo rencor entre Lord Montague y Lord Capulet se ha transmitido a esta generación más joven.
Aunque Luhrmann cambió drásticamente la escena de apertura junto con muchas otras, se mantiene fiel a ciertas líneas, como la famosa línea de morderse el pulgar, y también hace que los actores digan la palabra ‘espadas’ en lugar de cambiarla por armas como una forma. de preservar fragmentos del guión. También hace que los actores hablen en el idioma isabelino del guión original, mostrando su respeto por Shakespeare, pero su deseo de renovarlo y hacerlo vanguardista, ultramoderno y relevante. Luhrmann todavía se aferra a los mensajes de amor sobre la violencia, el poder del rencor y la venganza, y la necesidad de perdón y paz.
Algunos pueden apreciar su adaptación por su innovación y creatividad, mientras que otros pueden encontrarla demasiado drásticamente diferente con sus movimientos de cámara discordantes, música contemporánea fuerte y escenas llamativas. Las personas a las que no les gusta pueden preferir una versión cinematográfica más suave que se apegue más al guión, el período de tiempo, la puesta en escena y el vestuario.
Comparación de las obras de Ana Frank
El diario de una niña de Ana Frank es un famoso diario que perteneció a una niña judía que murió en el Holocausto durante la Segunda Guerra Mundial (Segunda Guerra Mundial). Su diario se convirtió en una obra de teatro en 1955 y una película ganadora de un Oscar en 1959 por Frances Goodrich y Albert Hackett. Las versiones teatrales y cinematográficas de Goodrich y Hackett eran exactamente lo que el público deseaba en ese momento: un acercamiento a las desgarradoras experiencias de Ana Frank cuando era una adolescente que se escondía de los nazis.
En 1997, Wendy Kesselman adaptó su obra y fue producida en Broadway con Natalie Portman como Anne. La versión de Kesselman usó fragmentos del diario de Anne que previamente se dejaron fuera de su diario cuando su padre lo publicó. Esto la hacía un poco más compleja que la versión de Goodrich y Hackett de ella, lo que la hacía parecer más despreocupada y voluble a veces, mientras que otras era demasiado emocional. Kesselman también incorporó otros relatos de sobrevivientes en su adaptación, y enfatizó la herencia judía anteriormente minimizada de Anne para agregar un poco más de historia y peso al drama.
Sin embargo, la interpretación de Natalie Portman de Anne todavía fue criticada por algunos por ser demasiado artificial y vertiginosa. Sin duda, se le indicó que actuara de esta manera, y a algunos críticos no les gustó la frecuencia con la que hacía cosas, como saltar por el escenario o mover los pies hacia adelante y hacia atrás. Querían a alguien que fuera más serio y que pudiera haber escrito creíblemente las entradas del diario de Anne, que a menudo invitan a la reflexión. Pero otros amaban a Portman como Anne porque le dio vida a esta adolescente al ser alegre en algunas escenas y más reflexiva en otras.
Tanto en la obra original como en la adaptación de Kesselman, Anne tiene el mismo arco de personajes bien definido. Un arco de personaje es cómo el personaje se desarrolla a través de la narrativa, cambiando como resultado de eventos que dan forma a sus puntos de vista y comportamientos. Si la adaptación de Kesselman de la obra de teatro de Hackett y Goodrich El diario de Ana Frank hubiera cambiado escenas y eventos fundamentales, entonces el arco del personaje de Ana también habría cambiado drásticamente. Entonces la audiencia no podría ver cuánto afectó y cambió a Anne la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la clandestinidad.
Las adaptaciones dramáticas del diario de Ana Frank a menudo han jugado sus temas de esperanza en medio del horror, ya que la propia Ana escribió líneas tan famosas como «A pesar de todo, sigo creyendo que la gente es realmente buena de corazón». Pero la parte desafiante para un dramaturgo o guionista es no olvidar que, al final, Anne murió en un campo de concentración nazi, junto con otras seis millones de personas. El público no suele querer ver una obra de teatro o una película que sea desgarradora de principio a fin, pero esos elementos trágicos no se pueden dejar de lado, especialmente cuando se escribe sobre una persona histórica como Ana Frank.
En el final de la obra de Goodrich y Hackett, el padre de Anne regresa como el único superviviente y lee la famosa frase de Anne, que pone fin a la obra. La audiencia se queda con un sentimiento de esperanza en medio de eventos trágicos. En la versión de Kesselman, la famosa frase de Anne sobre que las personas son buenas de corazón se escucha con una voz apagada cuando los nazis se las llevan. La obra termina con el padre de Anne, el único superviviente, describiendo gráficamente lo que le sucedió a cada miembro de la casa, cerrando la obra con una nota mucho más sombría. Esta alteración ilustra el objetivo de Kesselman de crear una descripción más realista de lo que sucedió.
Resumen de la lección
Para analizar de manera efectiva una producción filmada o en vivo versus un texto, necesitamos comparar y contrastar el texto original con la versión en vivo o filmada mediante:
- Reconocer cómo la producción filmada o en vivo conserva el texto original al notar lo que permanece igual, ya sean líneas específicas de diálogo, escenas, coreografías, vestuario, accesorios o el escenario.
- Observando cómo los actores y / o el director se mantuvieron fieles o se desviaron de los personajes y la trama originales del texto.
- Evaluar si los cambios realizados alteran el mensaje del texto y si los cambios realizados impactan positiva o negativamente a la audiencia y por qué.
Shakespeare a menudo incorporó bromas en sus guiones que eran populares en ese momento. También mencionaba a menudo la realeza y hacía referencia a eventos históricos. Del mismo modo, Luhrmann hizo referencias a la cultura pop en su versión de Romeo y Julieta . También se mantiene fiel al uso que hace Shakespeare del idioma isabelino, a los eventos clave y al mensaje general del guión.
Un arco de personaje es cómo el personaje se desarrolla a través de la narrativa, cambiando como resultado de eventos que dan forma a sus puntos de vista y comportamientos. Si la adaptación de Kesselman de la obra de teatro de Hackett y Goodrich El diario de Ana Frank hubiera cambiado escenas y eventos fundamentales, entonces el arco del personaje de Ana también habría cambiado drásticamente. Entonces la audiencia no podría ver cuánto afectó y cambió a Anne la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la clandestinidad.
Los resultados del aprendizaje
Puede alcanzar estos objetivos como resultado de estudiar esta lección en video:
- Analizar una producción filmada o en vivo en comparación con un texto
- Comprender cómo la traducción de texto a una obra de teatro o una película puede cambiarlo de manera salvaje o sutil.
- Cite ejemplos de adaptaciones de películas o juegos y observe las diferencias entre ellos
- Resalta el significado de un arco de personaje
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